lunes, febrero 28, 2005


El filósofo Antonio Negri define "la multitud" como una nueva clase global emergente.


Desde hace 10 años, el filósofo italiano Antonio Negri y Michael Hardt, profesor de Literatura en la Universidad de Duke, trabajan juntos. Escribieron “Imperio” -considerado por muchos la biblia del movimiento alterglobalizador-, en el que trazaron una nueva forma de soberanía global, y ahora publican “Multitud” (Debate), una obra en la que tratan de entender la formación de una clase global emergente que ellos llaman "multitud".

Publica EL PAÍS en su edición del 25-02-2005

Por E. Siló

"Este libro añade elementos que le faltaban a “Imperio” y pone a prueba sus tesis. El primero era demasiado estático, institucional", explicó Negri en la presentación, junto a Hardt, de "Multitud" en Madrid.

Los autores consideran que la clase obrera industrial ya no desempeña un papel hegemónico en la economía global, sino que existe un nuevo modelo dominante, "producción biopolítica", en el que los trabajadores no sólo producen bienes materiales en el sentido económico, sino que éstos atañen a todas las facetas de la vida cultural, social, económica y política. Así, no existen ya silenciosas masas oprimidas, sino un nuevo sujeto que forma una multitud espontánea capaz de forjar una alternativa democrática.

Para los autores de “El trabajo de Dionisos”, la democracia global emerge en este momento por primera vez, pero amenazada por las guerras de duración indefinida que asfixian la vida social y que planean su propio orden político. "En los años setenta, el movimiento en contra de la guerra de Vietnam en Estados Unidos se planteaba para reanudar la actividad política", señaló Hardt, " Mientras que hora la militancia no sólo tiene que luchar contra las guerras, sino que también debe insistir en la democracia y buscar políticas alternativas".

“Multitud”, según Negri, va dirigido a "la intelectualidad de masas": "A quienes son conscientes de la crisis de las instituciones, los sindicatos no pueden defenderles porque cada vez lo hacen de una parte de los trabajadores más restringida, y no les interesa la gestión del capitalismo". Y su propósito: "Persuadir al lector de que la democracia de la multitud no sólo es necesaria sino posible".

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Entrevista a Toni Negri: "La Multitud debería tener armas".

Publica La Vanguardia en su edición del 26/11/2004

Continúa el debate sobre la violencia en los movimientos sociales. "La multitud debería disponer de las armas. Que todos podamos tener armas libremente, como sucede en Estados Unidos..."

Por Víctor M. Amela

Tengo 71 años. Nací en Padua y vivo entre París y Venecia. Soy un profesor universitario jubilado: he impartido clases sobre doctrina del Estado en París y Padua. He pasado varios años en la cárcel, y desde hace un año y medio soy plenamente libre. Tengo tres hijos, entre 40 y 20 años. Soy ateo y comunista. Un acto político es un acto de amor.

El padre de Negri fue uno de los fundadores del Partido Comunista italiano. Durante la Segunda Guerra Mundial, sus padres refugiaban a partisanos en casa. Asustado por las bombas, Negri vio morir a nazis y a resistentes: "Y vi la inmensa piedad de mi madre ante los muertos...". Todo eso le marcó. Quiso estudiar Filosofía, pero su madre le quería matemático: "¡Si estudias Filosofía, acabarás en política!", temblaba ella. Pacto: estudió Agronomía..., pero en la universidad se implicó en grupos críticos con el PC desde la izquierda.

Su feraz actividad como pensador le llevó a la cárcel y al exilio... Su utópico pensamiento político actual se resume en Imperio (Paidós) y Multitud (Debate) -junto con Michael Hardt-, sus últimas obras, que Fundació La Caixa le ha invitado ahora a comentar

-¿Ha sido usted terrorista?

No. Sólo un intelectual.

-Le condenaron por terrorismo en Italia.

Fábulas de magistrados, invenciones, acusaciones infundadas...

-Le acusaron del asesinato de Aldo Moro.

Algunos en la judicatura decidieron que yo coordinaba la estrategia social de las Brigadas Rojas y su lucha armada, y que fui el cerebro del secuestro y asesinato de Moro.

-¿Y qué relación tenía usted con las Brigadas Rojas por aquel entonces?

¡Ninguna! Yo era profesor, publicaba ensayos sociopolíticos... Y había creado Autonomía Obrera, movimiento ajeno del todo a las Brigadas Rojas. Pero fui condenado...

-¿Y quién mató realmente a Aldo Moro?

¡Las Brigadas Rojas! Está todo dilucidado, sabido y publicado, pero aún siguen fabulándose hipotéticas tramas extrañas...

-¿Alguien hoy en Italia le llama terrorista?

En el pasado sí, hoy ya no. Pero sí me llaman "cattivo maestro" (pérfido maestro).

-¿Le gusta?

No. Etiquetas así bloquean el diálogo, ¡te convierten en sospechoso...! Ya se tildó de diabólicos a Maquiavelo, Spinoza, Marx...

-¿Cuántos años ha pasado en la cárcel?

En una celda, casi seis años. Otros cuatro años en tercer grado, más otros tres años de arresto domiciliario vigilado...

-Menuda gracia...

¡Pero la cárcel no es tan terrible! Puedes hablar contigo mismo, y si tienes mundo interior y resistencias, te estimula energías nuevas. ¡Yo he escrito dos libros en la cárcel!

-Porque es usted un intelectual, pero...

Si eres un pobre delincuente, la cárcel es el mejor estímulo para degradarte, cierto.

-¿Cuál es hoy su situación penal?

Libertad plena, desde hace un año y medio: ya no queda nada pendiente.

-Pues dígame ahora si legitima usted el terrorismo en algún caso.

El uso de la violencia es legítimo en ciertos casos: resistir a las invasiones, a las vulneraciones de derechos humanos... Es una salida extrema cuando no se tiene ya otra. Acabo de escribir una pieza teatral sobre eso...

-¿Qué explica en ella?

Un hombre, indignado ante la desgracia ajena, se viste de kamikaze, pero luego descubre otra forma de actuar... y se desviste.

-¿Qué otra forma de actuar?

El amor.

-Acabáramos...

La pulsión humana más fuerte es el amor materialista: el amor por la comunidad, que es un amor previo al amor sentimental.

-¿Seguro?

¡Sí, porque sólo la comunidad posibilita la supervivencia del individuo! En toda institución política subyace un sustrato amoroso... ¡Y la creación de una nueva humanidad es el acto de amor definitivo!

-¿En qué nueva humanidad piensa?

En una sociedad global absolutamente democrática, lo que necesariamente requiere a las multitudes inteligentes.

-Y yo que creía que multitud e inteligente eran dos términos incompatibles...

Eso nos han hecho creer: que la multitud es estúpida, es vulgo, plebe, peligrosa... Y sobre eso se han cimentado los regímenes modernos, de la monarquía a la democracia, que son siempre el gobierno de uno (o unos) contra la multitud (que infunde miedo).

-Y usted apuesta por las multitudes...

Por la multitud como multiplicidad de singularidades con capacidad de reconocerse en lo común, de expresar autónomamente sus razones. Y eso es inteligente. Esa potencia existe y hemos de desarrollarla hoy.

-Y si no, ¿qué?

Si no, el imperio: es decir, el gobierno global que el mercado global precisa. Y, así, ¡siempre alguien decidirá sobre nosotros! Alguien decidirá las guerras, por ejemplo.

-No sé si eso podrá tener nunca remedio...

Sí: la multitud debería disponer de las armas. Que todos podamos tener armas libremente, como sucede en Estados Unidos...

-¿Habla en serio?

Sí. Ya sé que eso puede tener sus efectos negativos, como el caso de Columbine..., ¡pero está claro que la única defensa democrática es la resistencia desde la comunidad! Es la garantía de la paz, de evitar guerras hechas hoy por ejércitos que, integrados por mercenarios, actúan como policía mundial.

-Proponga otras medidas para alcanzar la sociedad global plenamente democrática...

Permitir la movilidad de todos sobre el orbe terrestre. Estimular la productividad del Tercer Mundo. Garantizar a todos un rédito de supervivencia...

-¿Qué dice Berlusconi de sus ideas?

Berlusconi no me preocupa (no ha hecho más que exportar su lógica mercantil a la política), ¡pero sí la incapacidad de la izquierda italiana para articular alternativas a Berlusconi!

-¿Qué opina usted del capitalismo?

Que ha impulsado grandes reformas técnicas, que ha acelerado la civilización de las masas, apartándolas de las inclemencias de la naturaleza... Pero el capital no lo es todo: están los sujetos, las luchas, la creatividad, el talento, los aportes individuales de la inteligencia..., ¡y eso sí es fundamental!

-¿Qué sistema político es el menos malo de todos los conocidos hasta hoy?

La democracia liberal, que inventó el salario indirecto, es decir, la asistencia pública. Pero está viviendo ahora su crisis de soberanía y de representatividad: la gente vemos que la maquinaria del orden global imperial es tan colosal que las grandes decisiones nos pasan por encima... ¿La alternativa? Se lo he dicho: ¡la multitud, la multitud inteligente

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Nuevo logo para una Agencia Informal nacida desde los suburbios más angostos y que campea por la desolación de las bitácoras. Helen Trego Media Lab.
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SILVIA CASTAGNINO


pinturas - paintings
JADITE GALLERIES
413West 50th Street. New York

desde el 1 hasta el 15 de marzo de 2005
from March 1 to 15
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esa es la cuestión! NEL&PULGU
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landscape ('03) NEL&PULGU
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HUMOS MEDICINALES LANGREANOS

Baños sulfúricos, toma de humos, aguas fétidas, barros cancerígenos, hollines y toda suerte de productos para la salud: visite el balneario langreano de la Torre de Abajo. No se arrepentirá. (Eso sí, está terminantemente prohibido fumar, faltaba más.)

Por Francisco J. Lauriño

domingo, febrero 27, 2005


il tempo fugge ma'ndo cazzo va? Helen Trego Media Lab con la ayuda de Rui Marques y Hubble, y de Panini
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y ahora una foto antigua de Filipinas, posiblemente de Manila Helen Trego Media Lab
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antorcha Helen Trego Media Lab
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para los momentos de placer absenta Mata_Hari Helen Trego Media Lab
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un poco más lejos, casi nel castillete NEL&PULGU
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colomines en Turón NEL&PULGU
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otra con nieve NEL&PULGU
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turón con nieve NEL&PULGU
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ñeve sobre turón NEL&PULGU
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momentos antes de salir a la nieve NEL&PULGU
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Pulgu 26 de febrero NEL&PULGU
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Autorretrato de Pulgu a la manera de Giacometti NEL&PULGU
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SAMA DE LANGREO BAJO LA NIEVE

Diga lo que diga Forges, en Sama no hay palacio episcopal. Ni falta.

Por Francisco J. Lauriño

sábado, febrero 26, 2005

Popnox espía los chigres, bares y tabernas

Dani, poniendo una garimba. Cervecería La Industria, Sama.

Por Francisco J. Lauriño


Autorretrato de Nel Amaro (a la manera de Mimi Parent) NEL&PULGU
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Pola de L.lena 2 NEL&PULGU
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Visca Espanya NEL&PULGU
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jueves, febrero 24, 2005


Utensilios para el siglo XXI NEL&PULGU
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sombra NEL&PULGU
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vi a dios y era negra NEL&PULGU
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martes, febrero 22, 2005


chicken little Steve Haske
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NEL&PULGU
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giralda inclinada NEL&PULGU
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Ego te absolvo NEL&PULGU
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lunes, febrero 21, 2005


Entertainment - AP


Writer Hunter S. Thompson Kills Himself

36 minutes ago

By ROBERT WELLER, Associated Press Writer

ASPEN, Colo. - Hunter S. Thompson, the hard-living writer who inserted himself into his accounts of America's underbelly and popularized a first-person form of journalism in books such as "Fear and Loathing in Las Vegas," has committed suicide.


AP Photo


Canadian Press
Slideshow: Author Hunter S. Thompson Kills Himself

Thompson's Story Ends with Suicide
(AP Video)



Thompson was found dead Sunday in his Aspen-area home of an apparent self-inflicted gunshot wound, sheriff's officials said. He was 67. Thompson's wife, Anita, had gone out before the shooting and was not home at the time. His son, Juan, found the body.


Thompson "took his life with a gunshot to the head," the wife and son said in a statement released to the Aspen Daily News. The statement asked for privacy for Thompson's family and, using the Latin term for Earth, added, "He stomped terra."


Neither the family statement nor Pitkin County sheriff's officials said whether Thompson left a note. The sheriff and the county coroner did not immediately return telephone messages Monday.


Besides the 1972 classic about Thompson's visit to Las Vegas, he also wrote "Fear and Loathing: On the Campaign Trail '72." The central character in those wild, sprawling satires was "Dr. Thompson," a snarling, drug- and alcohol-crazed observer and participant.


Thompson is credited alongside Tom Wolfe and Gay Talese with helping pioneer New Journalism - or, as he dubbed his version, "gonzo journalism" - in which the writer made himself an essential component of the story.


Thompson, whose early writings mostly appeared in Rolling Stone magazine, often portrayed himself as wildly intoxicated as he reported on such figures as Jimmy Carter, Richard Nixon and Bill Clinton (news - web sites).


"Fiction is based on reality unless you're a fairy-tale artist," Thompson told The Associated Press in 2003. "You have to get your knowledge of life from somewhere. You have to know the material you're writing about before you alter it."


Thompson also wrote such collections as "Generation of Swine" and "Songs of the Doomed." His first ever novel, "The Rum Diary," written in 1959, was first published in 1998.


Thompson was a counterculture icon at the height of the Watergate era, and once said Nixon represented "that dark, venal, and incurably violent side of the American character."


Thompson also was the model for Garry Trudeau's balding "Uncle Duke" in the comic strip "Doonesbury." He was portrayed on screen by Bill Murray in "Where The Buffalo Roam" and Johnny Depp (news) in a film adaptation of "Fear and Loathing in Las Vegas."


That book, perhaps Thompson's most famous, begins: "We were somewhere around Barstow on the edge of the desert when the drugs began to take hold."


Other books include "The Great Shark Hunt," "Hell's Angels" and "The Proud Highway." His most recent effort was "Hey Rube: Blood Sport, the Bush Doctrine, and the Downward Spiral of Dumbness."


"He may have died relatively young but he made up for it in quality if not quantity of years," Paul Krassner, the veteran radical journalist and one of Thompson's former editors, told The Associated Press by phone from his Southern California home.


"It was hard to say sometimes whether he was being provocative for its own sake or if he was just being drunk and stoned and irresponsible," quipped Krassner, founder of the leftist publication The Realist and co-founder of the Youth International (YIPPIE) party.


"But every editor that I know, myself included, was willing to accept a certain prima donna journalism in the demands he would make to cover a particular story," he said. "They were willing to risk all of his irresponsible behavior in order to share his talent with their readers."


The writer's compound in Woody Creek, not far from Aspen, was almost as legendary as Thompson. He prized peacocks and weapons; in 2000, he accidentally shot and slightly wounded his assistant trying to chase a bear off his property.





Born July 18, 1937, in Kentucky, Hunter Stocton Thompson served two years in the Air Force, where he was a newspaper sports editor. He later became a proud member of the National Rifle Association and almost was elected sheriff in Aspen in 1970 under the Freak Power Party banner.

Thompson's heyday came in the 1970s, when his larger-than-life persona was gobbled up by magazines. His pieces were of legendary length and so was his appetite for adventure and trouble; his purported fights with Rolling Stone editor Jann Wenner were rumored in many cases to hinge on expense accounts for stories that didn't materialize.

It was the content that raised eyebrows and tempers. His book on the 1972 presidential campaign involving, among others, Edmund Muskie, Hubert Humphrey and Nixon was famous for its scathing opinion.

Working for Muskie, Thompson wrote, "was something like being locked in a rolling box car with a vicious 200-pound water rat." Nixon and his "Barbie doll" family were "America's answer to the monstrous Mr. Hyde. He speaks for the werewolf in us."

Humphrey? Of him, Thompson wrote: "There is no way to grasp what a shallow, contemptible and hopelessly dishonest old hack Hubert Humphrey is until you've followed him around for a while."

The approach won him praise among the masses as well as critical acclaim. Writing in The New York Times in 1973, Christopher Lehmann-Haupt worried Thompson might someday "lapse into good taste."

"That would be a shame, for while he doesn't see America as Grandma Moses depicted it, or the way they painted it for us in civics class, he does in his own mad way betray a profound democratic concern for the polity," he wrote. "And in its own mad way, it's damned refreshing."

___

Associated Press writer John Rogers in Los Angeles contributed to this report.



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nieva como en Rusia pero ye Turón NEL&PULGU
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mordaza especial para astur-falantes NEL&PULGU
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domingo, febrero 20, 2005

CAMPORRO, IN MEMORIAM

Descansa en paz, compañero.

Por Francisco J. Lauriño


Va por ti y los saxofonistas del mundo, Paco. Helen Trego Media Lab
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Hoxe tambem 25 de abril, sempre! sempre! sempre! Uma forte aperta para meu irmao Paco Faraldo na Leceia.
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Encontrar los trajes de luces no fue fácil.-- ¿Dónde coño encontramos trajes de torero para semejantes personajes? Tendremos que buscar de banderillero de tercera fila o al final de su carrera. Pero recordé que mi abuelo tenía un amigo que era el dueño de una sombrerería, quedaba en una esquina del parque viejo. Llamé y después de presentarme al encargado, que enseguida me relacionó con mi abuelo al que él también conocía y recordaba, me aseguró que si bien en el comercio no trabajaba ese género que haría lo posible por encontrarnos algo y que ya nos avisaría. Luego supe por Berta, una amiga que no sabía que trabajaba allí, que enseguida le dio un recado al chaval que tienen de pinche y que este dejó en el armario la escoba con la que barría hacia el patio y que se fue a cumplir el encargo. Y le chocó porque no suele haber cosas así como de cuchicheos. Aunque ella tiene que decir que algunos compañeros y compañeras no son muy considerados con el resto, porque ella misma sin ir más lejos tuvo un día que arreglárselas y atender todas las ventas del día porque alguno o alguna había faltado. Y ahora cuando se cruza con una misma baja la mirada como sabiéndose culpable y rumiando su arrepentimiento. Pero bueno a lo peor también pudiera ser que aquel día se encontrara realmente enferma, la persona en concreto digo... Menuda bara con el rollo de Ana, la compañera que en diez años faltó un día al curro y lo mucho que trabajé, y todo sobre mí, y ella ni mú que me ve y baja la vista, seguro que ahora se arrepiente y no puede decir nada, y la gente nerviosa que cuando Berta se lanza a largar hay que salir huyendo, alguno hizo ademán de hacerla callar a la fuerza, joder que trabajar en una sombrerería de lujo debe estresar lo suyo oye, un encargado, dos dependientas, un pinche, un director de proyectos... clientes. Cuando llegó el chaval con el cachondeito del ¿qué tal Mamerto?, hasta Berta se calló y eso que estaba en la parte de que si Ana cobra y yo tengo que acarrear al almacén los modelos, y eso que ella no había fallado ni un solo día, y que no había derecho. Segismundo gritó haciendo bocina con las manos –Virgilio changó!!! Y Piñera pillado en tránsito levitó por unos momentos despegándose totalmente de la silla sobre la que estaba sentado. Luego ya repuesto volvió a ocupar su lugar y procedió a incluir en el relato a la señora elegante. Esta es amiga de Ana, o por lo menos eso es lo que cuenta Berta porque ella aprecia que en cuanto entra la mencionada en el comercio a la otra se le hace el... -Sin ir más lejos a esa también le cobró la señorita Ana y yo al almacén como siempre.

Casimiro Palacios García




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POEMA

MANES

Con manes grandes
de deos ambiciosos
vini al mundu.

Quixi busca-yos llugar;
da-yos oficiu.
Pero nun topé materia viva
pa posar les buelgues
d’unes yemes tembloroses.

Pienso que nun yera virtú.
Namás destín heriede d’otres manes
desapaecíes.

La conciencia d’estos güesos
dizme que solo abarquen silenciu.
Inmensidá.
Vacíu.

Inesistente espaciu pa estos deos apátrides.


Ana Vanessa Gutiérrez


come de la manzana mingán y abandónate al placer que te estallará en las papilas gustativas, lánzate a la espiral del goce y alcanza el nirvana hedonista del orgasmo galáctico más espectacular. Helen Trego Media Lab
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una imagen capturada por el Hubble y publicada por Rui Marques. Muito obrigado
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escritura creativa NEL&PULGU
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luanco NEl&PULGU
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sábado, febrero 19, 2005


Bajo la obra "CARGA DE CABALLERÍA" de NEL& PULGU tenía que aparecer el texto "Encontrar trajes de luces no fue fácil" pero algún problema técnico nos lo impide por el momento. ROGAMOS DISCULPEN LAS MOLESTIAS. AGAIN CONTINÚA EN LA BRECHA.gracias
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Teatro de autómatas y juguetes con los Hermanos Oligor
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En una conferencia en el Club Siglo XXI, declara Fernando González Urbaneja, no en su calidad de presidente de la Federación de Asociaciones de Prensa de España ni como presidente de la Asociación de la Prensa de Madrid sino como periodista con más de treinta años de oficio que "sin preguntas no hay periodismo ni periodistas". Estas declaraciones se efectúan al calor de la declaración sin posibilidad de preguntas que los grupos Recoletos, Vocento, Unedisa y Planeta convocaron hace unos días contra el proyecto de ley de televisión que preparaba el gobierno de ZP. Todo un ejemplo de profesionalidad y honestidad que honra a González Urbaneja. PopNox y AGAIN se suman a su opinión.
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Lo que algunos llaman The News Syndicate
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jennaviaux Placer Visual Helen Trego Media Lab
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Pulgu en el sofá NEL&PULGU
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"Mira Patria mi af(l)ición" NEL&PULGU
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viernes, febrero 18, 2005


walpaper 6_800
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el que busca siempre encuentra NEL&PULGU
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Pasarela Cibeles NEL&PULGU
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Serie fotográfica "Popnox espía a Cauce del Nalón"

AY, AY, AY... CASI, CASI...

Por Francisco J. Lauriño

A LOS MANDOS...

Por Francisco J. Lauriño

SEM CHUVA NÂO HA ARCO-ÍRIS (III)

Saxofonista en Vilanova de Gaia

Por Francisco J. Lauriño

jueves, febrero 17, 2005


Crackle Crackle
These were made with some chemicals that I'm sure are toxic and will stunt my swimmers or soemthing like that. First I did a drawing in ink on 140lb. watercolor paper, then watercolor it in. After that there is a two step aging and cracking varnish chemical dump. Smear a dark oil paint over the whole piece and then wipe it off, in order to fill the cracks with value. Finally some touch up with acrylic or gouache on top. It is a neat effect but I found that the cracks sometimes got in the way of the drawing. Still these two came out somewhat charming.
Steve Haske



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Piggy Butt (I'm so fat) "Steve" Haske
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más pesía visual
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XII CONCURSU DE CUENTOS PA RAPACINOS Y XÓVENES D'ASTURIES ORGANIZAU POLES ASOCIACIONES CULTURAL EL PORTÓN Y XUVENIL EL TRAGALUZ
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CLASE OBRERA
VI
Entonces afloraron las huestes: verdor y sindicato
recabando el pan y la memoria, lo justo, lo cabal, la vida;
luna henchida, oreando huelgas y manifestaciones:
En el sesenta y dos todo era niebla, pero el sol [despuntaba
al hórrido paisaje del silencio.
Y junta una mano y otra mano,
revolvió el socavón de los días negros
la polifónica multitud levantada y clamorosa.
La heroica contumacia rehacía sin temores
la pureza primitiva de la ancestral canción:
ya va la Asturias mítica de nuevo
como testa especial contra la cadena impía,
galerías de sueños y justicia, dando tira
el topo de ilusión y de esperanza.
Y se alzaron de la mina al cielo -trémulos como reflejos-
y ayunaron, otra vez, con la miseria.
Francisco J. Lauriño
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"FOR THE MOON NEVER BREAMS, WITHOUT BRINGING ME DREAMS OF THE BEAUTIFUL ANNABEL LEE"



PARA ANTÓN

© Francisco J. Lauriño, 1989-2005.

Aun la edición de nuestras vidas conserva arena de aquellas playas. Gramos minúsculos, casi desaparecidos pedazos entre los pliegues del forro, reforzando la nostalgia, el ubi sunt dominador que retrotraiga nuestro discurso al suave idilio de otras eras.
*** *** ***
Nos conocimos hace mucho, mucho tiempo, cuando la poesía -nuestra poesía-, entre vaivenes de prófugos otoños y de sustancias etéreas, deambulaba por una vida intensa y capaz, insumisa, atolondrada, seria, veraz, con risas estrambóticas y perdidas miradas de apocalipsis -soñando en la meta dorada de como una París llena de demonios y de ruinas, dinosaurios, cráteres lunares que no sabían conversar en español-, y golondrinas, y licores espirituosos. Teníamos esa confianza de los inocentes y veíamos paraísos por todas partes, hasta que, con indecible puntualidad, descubrimos el Laberinto (el LABERINTO). Desde Erix, el Erix lovecraftiano, hasta Jorge Luis Borges hemos ido pasando páginas y páginas y páginas no exentas de Allan Poe, en suaves, melifluos y/o ácidos purgantes-estimulantes-desinfectantes: rock’n’roll, marginalidad, Panero, beat, clásicos, generación, blues (blues)… hasta un conjunto de "n" elementos distorsionados.
Y, entretanto, nos maldijeron. ¡Ah, malditismo feroz, desencantado! Porque no era, no es, bajo ningún concepto, poesía "moderna" (¿modernista?), "actual", "al uso". Honra a su autor la consecución de poesía "impura", "viciada", "inteligente". Nada más repelente, sin faltar a los clásicos -que no son, precisamente ellos, quienes tienen las culpas, sino quienes los enmascaran para hacernos ver algo que no son-, nada más repelente que el fatuo atildamiento de los inefables verdugos -hipócritas, curanderos de la estética- que, con el hacha de la lengua y de la inmeditada verborrea, pretenden darle al soniquete del purismo -pero son bastardos- y lo consiguen y lo ponen de moda y a nosotros nos da la risa porque le época de poder pronunciar el punto de la "i" se queda muy, muy lejos del siglo XXI, nuestro siglo. Sí, nos maldijeron, como si de veras pudiera existir una poesía, un poeta, que no fueran malditos (y yo recordé a Rimbau, a Verlaine, a Cernuda, a Corso, a Panero, a Ginsberg, a Pasolini, a Góngora).
Este es un Laberinto, o el Laberinto… "de vivir". Y un blues, muchos, muchísimos blues -tácitos, explícitos-, repetitiva melodía (¿monodia?) plañidera, amorosa, desesperada, desangrada. Es una de las culminaciones que pacientemente espera la venida de sus complementos como ella misma es un complemento a miles de ideas (morfológicamente realizadas o no), a tremendas filas indias de ideas, que, como un sarpullido primaveral pero eterno de inevitabilidad romántica, se arrastran por la piel literaria de este Autor, que tantas veces ha sido como yo mismo -mi Otro Yo (?)-.
("Se nos han llevado todos los paraísos… ni siquiera queda un miserable fondo de catálogo").
Una conversación con el Ser, con el No-Ser. Una acabada transgresión de la realidad para alzarse con la ley de la calle y llevarla hasta los insondables límites de la imaginación realista, cruel y bien timbrada ("pasa la poli y los guxanos del tiempu y / Nun arreparen pal home perdíu nel camín / Un home amoriando poles ceres / referviendo dalgún nome de muyer"), delimitada hasta el más gracioso infinito por las letras sublimes del amor -pensando en ella, siempre en ella: cambiante, metamórfica paloma de hiel y de espantos ("queden les forgaxes esparramaes / pol suelu’l carpinteru / les forgaxes que dexaron desnudu al ataude / como te dexará esa muyer desnudu / el cuerpu")-.
Así es como ha llegado -¿puede?, ¿podría?, ¿podrá?- la ontología (con perdón) a la poesía (o viceversa) y encarcelando actos de amor y prendas de materia en laberintos, repta, repta como el fantasmagórico poema teórico de Luis Cernuda, en busca de su Propia Realidad. Y desestima, en ello, ¡oh paradoja!, lo teórico, lo vil, lo amordazante, y se alza con el triunfo, con su triunfo, descubriendo el misterio opalino que desde Poe a Pessoa raja el alma, pincha el entendimiento, encandila la conciencia enardeciendo las luminiscentes cabelleras de los jóvenes-eternos-poetas-jóvenes despreciados por el público y la crítica cítrica. Y sin paraísos. Sin Annabel Lee, rota en su mar de muerte enceguecida, endiosada, nuestra. Sin viejos tiempos, old good times ("me dijeron que facía muitu tiempu que nun le vían las ridículas barbas pur eillí; ellus piensan que tá muertu, que murriú una nueite de tuntería en Valpurdis; fai muitu tiempu que nun veu pul Madison rostrus cunucíus; pa mín que tan tous muertus ya quiciabis you tamién"), pues están MUERTOS.
Después del Blues del Llaberintu un sabor de acidez quema la boca y graba a fuego en la intimidad los gritos melódicos de un hombre solo. Es como el grito desesperado de Catulo, o la plena melodía de Safo de Lesbos, o el sufrimiento del romance, o la dolorosa contención renacentista de Garcilaso, o la estentórea garra de Espronceda, el espíritu "teatral", la farsa constante (continua, divina) de la poesía escrita y sentida, el fingimiento adusto de la vida de miles de poetas escandalizando al mundo. De Caeiro a Alberto Vega, de fray Luis a Juan de Mairena, de Benjamín Mateo a Panero, de Bécquer a Baudelaire… … Es, además, la hez maldita que regresa, como en líquido, en lamento rockero, retornando a los orígenes del sueño: "si la escalera un baxa del cielu / los esclavos xubirán en ascensor".
"A la luna de los Doors, los Jam, la Janis, Pogues, Otis, Dream Syndicate o Loquillo" (sic), a la luna, tomando la luna, así es como las ideas desfilan, se pierden rumbo a dios y su nada inconclusa, por las tétricas y amables calles del laberinto de cristal -muros de Erix, del Erix lovecraftiano, casi de La Felguera, ¡qué más da!-, para verse vaciados a la fama desde los misteriosos moldes de la realidad, desde la sumisa incontención revolucionaria que frecuenta estos adioses de palingenesia asturiana.
Un libro-con-premio, que era lo que Antón venía mereciendo desde hace mucho tiempo.
Pablo Antón Marín. Cementeriu Marín (¿Valéry?). No. Es un cementerio. Es un poeta-vertedero de cadáveres, un "muertedero", ruines, un fracasu (¿sólo ún?), llárimes etenres, orbayu, tremor, tristura, recuerdu, escaecer, sangre verdín… ¡qué letanía!, ¡cuánta sangre de fiebre y de noches en vela pensando en el sinsentido de esta vida para llegar a un instante de sintaxis medida y de palabra estética alumbrando los folios de un libro-relicario que ha de ser pienso o medicina de acción solidaria!, ¡cuánta fe en la incredulidad!, ¡cuánta felicididad deshecha!, ¡cuánta pacífica violencia!, ¡cuántos sueños trizados!, ¡cuántos violines, cuántos paraísos vagamente perdidos!, ¡cuánto dolor en estos versos de flor carnal y sincera!
Esta es la llave que abre la puerta del infierno. Es la llave que abre la puerta del sufrimiento literario -una vez más-, del pinchazo que en el hipotálamo produce la escritura -ese vértigo tan nuestro-. Es la llegada del miedo, la llegada del S.O.S., al putrefacto sálvesequienpueda entre las letras del no-futurismo, de las teclas hinchadas, tumefactas, de una máquina de escribir que gesta los sueños más contundentes, las realidades más oníricas.
Entretanto nos cambiaremos de dedos, de ojos, y trataremos de leer con los codos, con la barbilla, con la frente, escuchando el maullido de los gatos del ayer.
Entre sorbo y sorbo de vino blanco.

(Prólogo a Blues del Llaberintu, solicitado por Pablo Antón Marín Estrada, autor del libro, y luego no publicado. Se publicó con variaciones, como reseña del libro, en la revista Rey Lagarto, núm. 2, año I, 2º trimestre 1989, Langreo.)



NOCHE DE JAZZ CON SAXOFONES Y BOGART AL FINAL DEL CAMINO, CON UN PARÉNTESIS DEDICADO A QUIENES CREEN QUE LA MÚSICA HA DE SER MODA Y CONSUMO SOLAMENTE.
Sensación de una noche,
jazz en las venas y un saxofón
dilatando
el aire y las sombras,
la cálida expresividad de quien arranca
sangre expectante a los ángulos nocturnos.
(El polo opuesto:
Modernilandia
y un hospital de menudencias enfáticas,
tierra escapatoria del análisis mental.
Modernilandia
y chorros de oro en las entrañas
y en los pies
hongos parasitarios que crecerán contigo.
Un raudal de estúpidos,
venal concordia de sonidos
que alegran gargantas de los sabios reconocidos, “artistas”.
Mientras, el silencio
espera siempre una misma respuesta.)
Aquí, vendavales misteriosos y deambulantes,
al final del camino
Casablanca
y una cita anónima con Bogart moribundo, ¿verdad?
Te crispas
un instante
y un candil concupiscente rememora
jazz y conclusiones,
patrios jamelgos del dolor y de la espera.
Al partir
una maleta plena
de surtidores plateados y misterios opacos,
palomas cristalinas
y albos estanques. Sainetes del good-bye
y la mecánica transferencia del realismo.
¿Has observado la longevidad de las notas del piano?
Siempre tan ancianas, juventud omnipresente.
Un saxofón nocturno adelanta los compases.
Sordina romántica
que cuenta nuestra historia: lejano Oeste
y whisky con hielo a tragos de luz incierta.
Noche de jazz
y en las venas un saxofón brillante
que acompaña las suaves ruinas de la felicidad.
(En el polo opuesto:
Ellos nunca podrían comprenderlo.)

Francisco J. Lauriño

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más poesía visual
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Nuria FiguerasPoesía visual: utopía, lenguaje y materialidad (I)

No podremos avanzar en la comprensión del fenómeno histórico y estético de la poesía visual, si no centramos nuestro análisis en su componente material. Independientemente de su importancia dentro de los movimientos de vanguardia de este siglo, o de sus repercusiones literarias y sociales, la poesía visual es la concreción de una búsqueda milenaria, de una vocación utópica presente a lo largo de la historia en muchas culturas. Los poetas visuales del siglo XX, nos hemos enfrenta-do al reto milenario de “materializar la poesía”. Y en honor a la verdad, hay que decir, que lo hemos conseguido.

Obra de arte

Este viaje desde el mundo de las ideas a la mas contundente materialidad, ha llevado a la poesía a profundizar en sus componentes plásticas, y a desarrollar su especificidad sonora. Y al poema, al status de obra de arte. Todo este proceso ha tenido lugar dentro del fenómeno de los movimientos de vanguardia del siglo XX, conviviendo con las principales corrientes de transgresión y ruptura dentro de la pintura, la arquitectura, la escultura, el teatro, la música, etc... Entre estas corrientes de las nuevas formas de arte, hay una paralela y del mismo sentido (algunos artistas fluxus), y otra paralela también, pero de sentido totalmente contrario.

Esta última es la que se concreta en el proceso de la abstracción-desmaterialización-conceptualización, que vertebra al arte de vanguardia en el terreno de la plástica de todo este siglo. Es la que, desde los años sesenta se engloba en la denominación “arte conceptual”.

Aunque en la práctica, esta corriente nace de una aspiración diametralmente opuesta a la que está en el origen de la poesía visual, determinados productos de su etapa final (minimalismo, conceptual linguístico, etc...) pueden confundirse con algunas prácticas de la poesía visual, lo que ha dado lugar a una considerable confusión. Para algunos críticos e historiadores del arte, formados en la tradición anglosajona que defienden una interpretación del arte del siglo XX, basada en esa línea, la poesía visual solo sería una forma inhábil, equivocada o como mucho “primitiva”, del “arte conceptual”.

Materialidad

La realidad objetiva y simple, es que la poesía visual es todo lo contrario de cualquier forma de minimalismo. Sólo puede ser entendida como un maximalismo: como una aspiración desmesurada, pantagruélica, insensata, imposible, desconsiderada, totalizante, abusiva, contradictoria, impertinente, incalificable, obsesiva, descontrolada, engreída, pretenciosa... Esto es, como un planteamiento utópico propio -y típico- de toda vanguardia radical, estética o no.

En otras palabras, todo lo contrario de una poesía abstracta. Mas bien, una poesía-objeto; una poesía concreta, material, elemental, en la que la visualización nos ofrece la arquitectura, el color, el tacto, el sabor incluso...de los distintos sistemas de signos. Un arte de ideas materializadas.

El hecho de que, a la búsqueda de esa concreción, se haya trabajado habitualmente con componentes elementales, moleculares, del lenguaje, no se debe a una vocación de renuncia, de elementalidad o de minimalismo propiamente dicho. Es una respuesta proporcionada a las leyes de la visualidad y a los imperativos de lo plástico.

Modernidad

A estas alturas del Siglo XX, empieza a ser una necesidad inaplazable, deslindar los distintos componentes fundamentales de la modernidad, tal como han quedado fijados en la historia de los últimos cien años. Y a la hora de hacerlo, no podemos tener sólo en cuenta los que han primado en los últimos cuarenta años en los países anglosajones (y especialmente en USA). Sobre todo porque de cara al próximo milenio tenemos que trabajar a partir de las aportaciones mas idóneas (las que son en primer lugar, auténticas, no deformadas por intereses, modas, o afanes personalistas), y las que mejor interpretan nuestra propia evolución social, y las necesidades inmediatas. Es hora de reclamar el derecho al maximalismo sin complejos. Aunque ello suponga internarnos en el terreno -minado y laberíntico- de lo barroco, con las sirenas de la trascendencia, lo simbólico y lo mítico lanzando sus cantos enervantes.

En ese deslinde, la poesía visual realizada en España en los últimos treinta años aparece como una producción que aúna lo cultural, lo estético y lo ideológico, en una síntesis específica del pensamiento visual de la modernidad. Y que, aunque ya haya alcanzado el status de un género, sigue conservando un alto grado de innovación y renovación en su seno. Un grado de radicalidad suficiente para seguir estando en vanguardia también en el siglo XXI.

En cualquier caso, la poesía visual, como el resto de los géneros descubiertos y habilitados por la vanguardia y la experimentación (poema sonoro, poema acción, poema objeto, etc...) está ya por derecho propio, con protagonismo total en la historia presente. Ni siquiera los poetas visuales somos ya sus dueños: Como en el poema de Manuel Machado sobre la copla, ahora sus dueños son los que la hacen suya, los que la reconocen sin saber quienes fueron sus evangelistas.
Fernando Millán
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Serie fotográfica "Objetos Personales"

¡¡Uy, qué ostia!!

Por Francisco J. Lauriño (Producciones La Bacaloria Down Tower Street Inc.)

miércoles, febrero 16, 2005


Silvina MirasoleSILVINA MIRASOLE
"....entre el Cielo y la Tierra...."
CIERRE 2 DE MARZO
CENTRO CULTURAL RECOLETA
SALAS 1 Y 2
Pinturas dimensionales, Murales, Dibujos en tinta sobre papel inéditos,...

junto a Poemas de:
Dr. Natalio Hocsman (poeta)
Carlos Barbarito (escritor y poeta)
www.d-sites.net/barbarito

Escultura inédita "Diosa Madre" realizada en bronce.40 x 45 x 45 cm
Prólogo : Rosa Faccaro (AACA-AICA)

Centro Cultural Recoleta: Junin 1930
Horario de visitas: martes a viernes: 14 hs. 21 hs.
sabados y domingos :10 a 21 hs.
www.centroculturalrecoleta.org /consultas:4803-1040


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Prens@ Dedicada - ©Artesur.com

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experimentosculturales.com
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Experimentos culturales 2005
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o resto de nos Helen Trego Media Lab
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Primer Concurso de cortometrajes nontzefilm
http://www.nontzefilm.com

Bases del concurso

1. El portal cultural Nontzeberri.com convoca el I. Concurso de Cortometrajes on-line
2. Nontzefilm, con la ayuda del Festival de Cine Fantástico de Bilbao (FANT).

2. Podrán participar todas las personas que así lo deseen, sin importar su procedencia, y con el número de filmes que quieran. La inscripción es gratuita.

3. Las obras se presentarán en formato .mov, .mpeg, .avi, .asf o .wmv y el archivo no deberá ocupar más de 3.5 Mb, ni superar una duración de 3 minutos. También se debe enviar una imagen representativa del film en un archivo .jpg de 70 x 50 pixels.

4. Los trabajos no responderán a ninguna temática concreta, pero para optar por los premios
tienen que ser originales y realizados posteriormente al 1 de enero del 2004.

5. El plazo para mandar los trabajos finalizará el 11 de marzo del 2005. No obstante, la
organización agradece remitirlos cuanto antes, a efecto de poder mostrarlos en nontzefilm.com
para goce y disfrute de los internautas.

6. Si tu película es elegida para proyectarse en el FANT, deberás enviarnos una copia del film en
alta resolución. Estaría bien que, por si acaso, la tuvieses preparada. En caso de ser seleccionada te
avisaremos a través de un e-mail.

7. Una Comisión escogerá los mejores films, que se proyectarán en el Festival de Cine Fantastico de
Bilbao FANT 2005.

8. El concurso repartirá los siguientes premios:

Premio Nontzefilm al mejor film. 2000 euros
Segundo Premio. 1500 euros
Premio del Púbico. 900 euros
Mejor film de Euskal Herria. 900 euros

9. A los trabajos premiados por el jurado se les concederá un único galardón. En lo referente al
Premio del Público, los internautas elegirán entre una selección de un número de trabajos
escogidos por el jurado. Si el premio del público coincidiera con alguno otorgado por el jurado, se le
otorgarían los dos premios. Si la organización detectase anomalías en la votación, se invalidaría y el
premio lo decidiría el jurado.

10. Cualquier premio puede quedar desierto, si los trabajos carecen, en opinión del jurado, de la
calidad necesaria.

11. Con su participación el artista confirma ser el propietario de las licencias, copyrights y derechos de
imagen, sonidos, tipografías, software y cualquier herramienta que utilice.
La participación en el concurso implica que el autor declara que es el responsable del trabajo enviado y de
lo que se incluya en él. Nontzeberri.com y el FANT declinan toda responsabilidad legal sobre las películas y su contenido.

12. El autor es el único y exclusivo propietario de los trabajos presentados. No obstante, por el hecho de
participar en el festival, cede los derechos de comunicación pública y reproducción a Nontzeberri.com y al
FANT, hasta la convocatoria de la siguiente edición del concurso, y éstos serán prorrogados tácitamente hasta que el
autor comunique de forma feaciente al festival su intención de suspender la validez de esta cláusula de cesión de derechos.
Por lo tanto, durante ese tiempo Nontzeberri se arrogará el derecho a exhibir en la red y fuera de la red los cortos. Por último,
los ganadores y los seleccionados por el FANT ceden los citados derechos a Nontzeberri por tiempo indefinido.

13. La inscripción se realizará on-line, en una hoja preparada al efecto. En dicha hoja el autor deberá escribir su nombre y apellidos,
lugar de procedencia, dirección de correo electrónico, sito web, número de teléfono, título del corto, duración, formato, una imagen
representativa en archivo .jpg de 70 x 50 pixels y un pequeño resumen (no más de 50 palabras). Si tienes problemas para enviar el
trabajo o si no lo ves en la red en tiempo breve, ponte en contacto con nosotros en la dirección nontzefilm@nontzefilm.com

14. Una Comisión revisará los trabajos y se arrojará el derecho a aceptarlos o no.

15. Tres personas de reconocido prestigio en el medio formarán el jurado del concurso. Seleccionarán los mejores trabajos de
acuerdo con la calidad y originalidad de las obras presentadas y decidirán los trabajos premiados. También se efectuará una
votación popular on-line. A través de ella los internautas podrán elegir el trabajo que más les guste y premiarlo.

16. Los premios se darán a conocer y se repartirán durante el FANT 2005. Los ganadores también se darán a conocer en la web,
una vez finalizado el FANT.

17. Las decisiones del jurado son irrevocables.

18. Nontzeberri.com y el FANT declinan responsabilidades legales por las consecuencias de la utilización de los trabajos presentados.
No obstante, la organización hará todo lo que esté en sus manos para su protección.

19. La participación en el concurso supone la aceptación de las bases.
Experimentos Culturales 2005
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cuento infantil NEL&PULGU
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¡ADIÓS!(GUAUUUU!).
PULGU.
¡ADIÓS!(GUAUUUU!).
PULGU.

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martes, febrero 15, 2005


mirando al mar 1 NEL&PULGU
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mirando al mar NEL&PULGU
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1ª noche de mar Helen Trego Media Lab
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manifiesto NEL&PULGU
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caras fantasmales debajo de la necrópolis Helen Trego Media Lab con el permiso (o no) de Paco
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lunes, febrero 14, 2005

PESADILLA

Cementerio de Celorio (Llanes). Asturias. La cara de la esquina no es truco fotográfico, es real y está pintada en la tapia.

Por Francisco J. Lauriño

Serie "Personajes de Ficción"

SIN TÍTULO

Por Francisco J. Lauriño


cantando tonada NEL&PULGU
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yotu NEL&PULGU
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asturies patria erida NEL&PULGU
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sábado, febrero 12, 2005


Fellatio oberture NEL&PULGU
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Arthur Miller en sus últimos tiempos El Periodista Digital redaccion@periodistadigital.com
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Arthur Miller hace unos años El Periodista Digital redaccion@periodistadigital.com
Copyleft 2002

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Fallece el dramaturgo bantú Arthur Miller



El escritor Arthur Miller, uno de los principales dramaturgos del siglo XX, entre cuyas obras se encuentra ’Muerte de un viajante’, todo un símbolo del fin del sueño americano, ha fallecido a los 89 años de edad, según informó su asistente, Julia Bolus. El dramaturgo sufría cáncer, neumonía y problemas cardiacos.

Nacido en Nueva York el 17 de octubre de 1915, hijo de un matrimonio de emigrantes vieneses, Miller, que recibió un Pulitzer en 1949 por ’Muerte de un viajante’ y otro por ’Panorama desde el puente’, en 1955, y el Premio Príncipe de Asturias en 2002, falleció el jueves por la noche en Connecticut, acompañado por su familia.

El escritor es para muchos el dramaturgo más importante del siglo XX; para otros, el intelectual que sedujo a Marilyn Monroe. Arthur Miller supo trasladar a las tablas el conflicto del ser humano y el espíritu crítico.

Fue siempre un autor comprometido: arremetió primero contra el masificador antihumanismo norteamericano, se acercó al marxismo, para después criticarlo, se opuso activamente a la ’caza de brujas’ del senador McCarthy y denunció la intervención estadounidense en Corea y Vietnam.

Su obra ’Las brujas de Salem’ fue en realidad una denuncia contra las investigaciones del Comité de Actividades Antiamericanas, ante el cual tuvo que comparecer tres años más tarde. Curiosamente, se dio a conocer con una novela, ’Focus’, publicada en 1945, aunque en 1947 su nombre ya sonaba entre los círculos teatrales gracias a ’Todos eran mis hijos’.

Las obras de Miller se comenzaron a popularizar después de la Gran Depresión, que alumbró con dramas con un poder similar al de la tragedia griega.
El Periodista Digital redaccion@periodistadigital.com
Copyleft 2002

jueves, febrero 10, 2005

CURSOS SOBRE ARTE TEXTIL






Prensa Dedicada - © Artesur.com


Marta Salerno
arte textil
• A PARTIR DEL 22 DE FEBRERO COMIENZAN LAS INSCRIPCIONES PARA CURSOS Y SEMINARIOS DE ARTE TEXTIL
• TAPICES-MURALES Y OBJETOS CONTEMPORÁNEOS TELAR ( varias técnicas)
• MACRAMÉ ( técnica de nudos aplicado al arte y a las artesanías de uso utilitario)
• PAPEL HECHO A MANO ( papel reciclado y de fibras)
• CESTERÍA ECOLÓGICA -artística y de uso utilitario con reciclado de podas


LOS CURSOS SON UNA VEZ POR SEMANA DE 2hs30´ y un costo de 60 pesos por mes,
Turnos 9 a 11,30 hs 14 a 16,30 hs 17,30 a 20 hs

CONSULTAR OTRAS OPCIONES Y NUEVOS CURSOS ....ENTREVISTAS PERSONALES....
ZONA CABALLITO -cupos limitados-


INFORMES:

martasalerno@datafull.com

www.martasalerno.com.ar




supermanes NEL&PULGU
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autorretrato con Pulgu de orgullosos republicanos NEL&PULGU
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La Gran Evasión






Para AGAIN desde El Entrego Heri Gutiérrez García
LA GRAN EVASIÓN
Encontrar el marco institucional idóneo para nuestro Valle, bien un puzzle de Ayuntamientos, mancomunados o no, o la ansiada Ciudad Lineal con uno solo, requiere poner fin a“la gran evasión”; emigración de nativos que instalan sus domicilios allende los límites geográficos del Nalón. El objetivo es fijar población, por que la distancia hace el olvido. Conocer las causas de este goteo es un buen principio:
- Las zonas en declive sufren caídas demográficas hasta un volumen que pueda ser empleado y asimilado por el mercado. Si los recursos y el nivel de la tecnología no mejoran, “los hijos del Nalón” seguirán buscando otros entornos aptos para vivir. Es el ajuste recursos – población que significa pérdida de empleo, imposibilidad de crear iniciativas empresariales y caída de poder adquisitivo. A la larga, muerte por inanición.
- La oferta de servicios culturales, sociales o de ocio se ha estancado mientras que en ciudades como Gijón y Oviedo ha crecido exponencialmente. Las necesidades humanas son las mismas, pero sus satisfactores cambian con los tiempos. Esto exige constante revisión y renovación de intenciones públicas.
- El precio de la vivienda se ha disparado. Cuesta casi lo mismo comprar, al menos en términos relativos, un piso en Sama o El Entrego que en las ciudades antes citadas.
¿Soluciones?. En el pecado está la penitencia. Cada causa lleva pareja una, a modo de gestión eficiente. Cualquier estudiante de Economía sabe que existen medidas coyunturales “parches a corto plazo” y estructurales “modificadoras de las bases del sistema” cuya combinación puede sacarnos del atolladero en el que estamos:
- Mejorar las infraestructuras de transporte por vía férrea y por carretera. Así los viajes a los centros de trabajo serán más cortos y cómodos.
- Introducción de tecnología punta; como ejemplos internet por microondas y el fomento de la investigación tecnológica en empresas con ayudas públicas.
- Liberación del antiguo suelo industrial para construir más barato que en caso de“esponjar” ( derribar primero y construir después).
Si por el contrario esperamos que la población se quede por el apego a la tierra que le vio nacer la batalla está perdida y la Cuenca se desertizará.


Elenco y Cuadro Técnico de "Hasta que la boda nos separe" y unas palabras del autor del texto teatral Roberto Lumbreras Blanco con el que alcanzó el premio Alejandro Casona 2001
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PopNox desea mucha mierda a Barataria Teatro en los premios Max y espera que Roberto Corte tenga que subir al escenario a recoger el premio y agradecer el reconocimiento por sus muchos años de dedicación y su buen hacer. Enhorabuena.
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miércoles, febrero 09, 2005


BERSBURU 5 NEL&PULGU
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¡OJO NACIONALISTAS! NEL&PULGU
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AUTORRETRATO REIVINDICATIVO NEL&PULGU
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INFORMACIÓN TEATRAL HELEN TREGO MEDIA LAB
Premios Teatro del Mundo
Séptima entrega
Jueves 9 | 16 hs
sala Batato Barea
Entrada gratuita

El Premio Teatro del Mundo es una distinción anual que otorgan los integrantes del Área de Historia y Teoría Teatral del Centro Cultural Rector Ricardo Rojas de la UBA. El objetivo es distinguir lo mejor de la actividad teatral de cada temporada.
Durante todo 2004 un equipo de 32 críticos e investigadores especializados en teatro han discutido espectáculos, ediciones, traducciones, así como criterios de valoración, y finalmente seleccionaron los Trabajos Destacados 2004 en diecinueve rubros, cuatro Menciones Especiales, un Premio Homenaje póstumo y un Premio a la Trayectoria. Se destacan especialmente los premios a rubros infrecuentes: traducción, ensayística, revistas, fotografía teatral, labor en edición.

Jurado: Araceli Arreche, Marcela Bidegain, Pamela Brownell, Patricia Devesa, Silvina Díaz, Jorge Dubatti, María Victoria Eandi, Patricia Espinosa, Gabriel Fernández Chapo, Marina García Barros, Karina Giberti, Sonia Gonorazky, Ana Groch, Silvana Hernández, Natacha Koss, María Juana Lagunas Pilar, Patricia Lanatta, Araceli Laurence, Marta H. López, Claudia Lorenzetti, Pablo Mascareño, Linda Máximo, Ezequiel Obregón, Cecilia Propato, Lucas Rimoldi, Grissy Santomauro, Denise Scheines, Nora Lía Sormani, Marta Taborda, Melania Torres, Mariano Ugarte y Luciana Zylberberg.


Trabajos destacados octubre 2003 - octubre 2004
Dirección
Héctor Alvarellos (¡Ay, Bufón!)
Pompeyo Audivert (La Señora Macbeth)
Luciano Cáceres (Criaturas del aire; Paraísos olvidados)
Alejandro Catalán (Foz)
Julio Chávez (Rancho)
Javier Daulte (¿Estás ahí?; Nunca estuviste tan adorable)
Gerardo Hochman (Fulanos)
Mauricio Kartun (La Madonnita)
Jorge Lavelli (La hija del aire)
Gustavo Tarrío ( Afuera)
Daniel Veronese (La forma que se despliega; Un hombre que se ahoga)

Adaptación
Horacio Banega (Bravo, sobre cuento de Juan José Saer)
Germán Bermant (versión para niños de La comedia de las equivocaciones de W. Shakespeare)
Ana María Bovo (Emma Bovary, sobre la novela de G. Flaubert)
Daniel Casablanca (Granadina sobre textos de F. García Lorca)
Miguel Guerberoff (versión de El castillo de F. Kafka)
Gabriela Izcovich (versión de la novela Terapia de David Lodge)
Gonzalo Martínez (La pornografía, sobre textos de Witold Gombrowicz)
Lorenzo Quinteros y Roberto Villanueva (El resucitado, sobre un cuento de E. Zola)
Rodolfo Roca (Paraísos olvidados, sobre el cuento La sirena de Giuseppe Tomasi di Lampedusa.)

Dramaturgia
Javier Daulte (¿Estás ahí?; Nunca estuviste tan adorable)
Griselda Gambaro (La señora Macbeth)
Mauricio Kartun (La Madonnita)
Eduardo Pavlovsky (Meyerhold)
Manuel Santos Iñurrieta (Charly)
Patricia Suárez (Valhalá)
Ricardo Talento y Circuito Cultural Barracas (Zurcido a mano)
Daniel Veronese (La forma que se despliega)
Traducción
Nicolás Costa-Ruth Fehling (Incriminándome de Peter Handke)
Rolando Costa Picazo (Hamlet; Otelo; Rey Lear, de W. Shakespeare)
Federico González del Pino y Fernando Masllorens (En casa/En Kabul; Panorama desde el puente)
Jean GrahamJones (Theater de Ricardo Monti)
Pablo Ingberg (Enrique IV (primera y segunda parte);Tito Andrónico; La comedia de las equivocaciones de W. Shakespeare)
Cristina Piña (La gata sobre el tejado de zinc caliente; No sobre ruiseñores de Tennessee Williams)
Eduardo Sinnot (Poética de Aristóteles)
Laura Thieberger y Lorenzo Quinteros (El cuidador; Los enanos; La colección de Harold Pinter)
Actuación femenina
Cristina Banegas (La señora Macbeth)
Alicia Berdaxagar (Las de Barranco)
Julia Calvo (Emma Bovary)
Marta Lubos (En casa/En Kabul; Hamlet; Un hombre que se ahoga)
Marilú Marini (Los días felices)
Silvia Oleksikiw (Las criadas)
María Onetto (Nunca estuviste tan adorable)
Verónica Piaggio (La Madonnita)
Blanca Portillo (La hija del aire)
Mercedes Scápola Morán (Rancho)
Elena Tasisto (En casa/En Kabul; Panorama desde el puente)

Actuación masculina
Luis Brandoni (Justo en lo mejor de mi vida)
Daniel Casablanca (Granadina)
Guillermo Angelelli (Hamlet; La ópera de tres centavos)
Héctor Díaz (¿Estás ahí?)
Osmar Núñez (Un hombre que se ahoga)
Eduardo Pavlovsky (Meyerhold)
Diego Peretti (Discepolín y yo; La ópera de tres centavos)
Lorenzo Quinteros (El resucitado)
Juan Manuel Tenuta (Valhala)
Antonio Ugo (Antígona)
Manuel Vicente (La Madonnita)
Espectáculo extranjero
Los días felices, Dir. Arthur Nauzyciel (Francia)
Pasaporte con estrellas, de Emilio Carballido, Dir. Luis Martín, Grupo PROTEAC, (México).
K, adaptación de la novela El Proceso, por la Compañía Nun Tris (España)
Institución
Celcit
Centro Cultural de la Cooperación
Centro Cultural Konex
Centro de Investigación del Imaginario
Festival de Teatro de San Martín de los Andes (Humo Negro)
Festival Tintas Frescas en Buenos Aires
Instituto de la Máscara
Jornadas de Cultura y Desarrollo Social
Tranquilo Producciones (Canal á)
Espectáculo infantil
El niño de arena, Dir. Rafael Curci
Fulanos, Dir. Gerardo Hochman
Granadina, Dir. María Romano
El invento terrible, Dir. Antoaneta Madjarova
Peter Pan, Dir. Ariel Del Mastro
Teodoro y la luna, Dir. Adelaida Mangani
Brisas en aguas, Diablomundo
Elemental, Dir. Marcelo Katz
La comedia de las equivocaciones, Grupo El Globo

Figuras en labor de edición
Hugo Bauzá (editor de Actas El imaginario en el mito clásico)
Ediciones de la Flor (Teatro 1 de Hugo Midón)
Ediciones del Instituto Nacional de Teatro
Miguel Grinberg (editor de Evocando a Gombrowicz)
Osvaldo Pellettieri (editor colecciones Corregidor y Col. Teatrología, Galerna)
Mariano Sverdloff (editor de la Colección Colihue Clásica)
Halima Tahan (Ediciones Artes del Sur)
José Tcherkaski (editor de Las cartas de Gombrowicz)
Susana Torres Molina y Arturo Gotees (Ediciones Teatro Vivo)
Adriana Tursi (directora de la Colección Argentina/Dramaturgas, Ediciones La Abeja)

Revista soporte papel/virtual
Balletin Dance
El Apuntador (Córdoba)
El Corsito
El Mensajero Cultural / Artes Escénicas
Fardom
Kiné
Picadero (Instituto Nacional del Teatro)
Teatro (Complejo Teatral de Buenos Aires)
Teatro/Celcit

Ensayística / Investigación
André Carreira, El teatro callejero en la Argentina y en el Brasil democrático de la década del 80.
Graciela Frega, Mabel Brizuela, Ana G. Yukelson y María J. Villa El teatro de Córdoba 1900-1930. Documentación y crítica
Gustavo Geirola, Arte y oficio del director teatral
Pablo Gorlero, Historia de la comedia musical en la Argentina
Enrique Kozicki, Hamlet, el padre y la ley
Eduardo Pavlovsky, La voz del cuerpo
Raúl Serrano, Nuevas tesis sobre Stanislavski
José Luis Valenzuela, Las piedras jugosas, Robert Wilson. La locomotora dentro del fantasma
Creación / Interpretación musical o banda sonora
Oscar Albrieu Roca, Claudio Buccello, Adrián Griffioen, Luis Isaia, Leandro Kyrkiris, José Luis Sánchez, La hija del aire
Pablo Bronzini, Brian Chambouleyron, Leo Heras, Granadina
Gerardo Gandini, La hija del aire
Claudio Koremblit y Experimenta, Hamlet
Claudio Peña, La señora Macbeth
Alejandra Radano, La ópera de tres centavos; Canciones degeneradas
Diego Vainer, Patito Feo
Diego Vila, Discepolín y yo; La ópera de tres centavos
Edu Zvetelman, Fulanos
Vestuario
Alberto Félix Alberto y Verónica Lebeñe, Elma Mut en la bañera
Magdalena Banach, La señora Macbeth
Sofía Di Nuncio, Emma Bovary
Jorge Ferrari, La ópera de tres centavos
Graciela Galán, La hija del aire
Mirta Liñeiro, Hamlet
Stella Rocha, ¡Ay bufón!
Renata Schussheim, Bésame; El hombre de la corbata roja
Mini Zuccheri, Granadina

Iluminación
Omar Álvarez, El niño de arena
Gonzalo Córdova, Emma Bovary; Patito Feo; Choque urbano; Copias; Rancho; Kavafis y los tres círculos del exilio
Marcelo Cuervo, Aplausos
Alejandro Le Roux, La Madonnita, Hamlet, Asepsia, Tábula rasa
Marcelo Mangone, El monje
Leandra Rodríguez, Pasos
Leandra Rodríguez-Ignacio Riveros (La señora Macbeth)
Mariano Ruggiero, Paraísos olvidados
Eli Sirlin (Fulanos; Que la mar te devuelva; Bésame; Sinfonía de los Salmos; Travesías)
Roberto Traferri y Jorge Lavelli (La hija del aire)

Coreografía / Dirección coreográfica
Mayra Bonard / Ana Frenkel (Patito feo)
Teresa Duggan (Fulanos)
Inés Rampoldi y Leticia Masur (Watt)
Miguel Robles (Asepsia;Tabula rasa)
Ana María Stekelman (Bésame; El hombre de la corbata roja)
Diana Theocaridis y Pablo Fontdevilla (Kavafis-Los tres círculos del exilio)
Carlos Trunsky (Que la mar te devuelva)
Mauricio Wainrot (Travesías; La sinfonía de los Salmos)

Escenografía / Diseño espacial
Gonzalo Córdova (Emma Bovary)
Grupo La Runfla (¡Ay Bufón!)
Norberto Laino (Don Chicho; La Madonnita; Hamlet)
Alicia Leloutre (¿Estás ahí?)
Fernando Marconi (Terapia)
Arthur Nauzyciel y Antoine Vasseur (Los días felices)
Alberto Negrín (Patito feo)
Pace (La hija del aire)
Marcelo Valiente (Fulanos)
Daniel Veronese (La forma que se despliega)

Diseño de títeres, objetos y/o mecanismos escénicos
Roberto Docampo y Alejandra Farley (creación y realización de mecanismos de los títeres Teodoro y la luna)
Richard Forcada (Peter Pan)
Grupo Diablomundo (Brisas en aguas)
Grupo Libertablas (El Quijote de la Mancha)
Alicia Leloutre (¿Estás ahí?)
Los Quintana (Manomuvis)
Norberto Laino (El sabor de la derrota)
Luis Felipe Noé, con colaboración de Elena Nievas diseño de títeres Teodoro y la luna
Jeny Petrova, Giselle Bosio, Leandro Lucanera (El invento terrible)
Gustavo Tarrío (Los ríos)

Fotografía teatral
Andrés Barragán (La Señora Macbeth)
Julieta Escardó
Andrés Figueroa (Emma Bovary)
Carlos Flynn (Complejo Teatral de Buenos Aires)
Carlos Furman (Complejo Teatral de Buenos Aires)
Urko Suaya (Patito feo)

Menciones Especiales
Frente Artistas del Borda
Payamédicos
Diablomundo
Festival Internacional de Teatro para Niños y Jóvenes (Córdoba)
Primer Festival de Teatro de Títeres para Adultos (CELCIT)

Homenaje
Luis Ordaz
Trayectoria
Raúl Serrano

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martes, febrero 08, 2005


V Festival de Polipoesía Barcelona Agosto 1997 NEL&PULGU
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transeunte NEL&PULGU
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dialéctica Pola L.lena [1]995 NEL&PULGU
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jota NEL&PULGU
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contra la pared NEL&PULGU
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bous bous bous Helen Trego Media Lab
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Europa Press 08/02/2005
Tusell era catedrático de Historia Contemporánea en la UNED, colaborador habitual de diversas publicaciones y ex director general del Patrimonio y de Bellas Artes.
El historiador Javier Tusell falleció hoy a los 59 años de edad, tras una larga enfermedad según confirmaron a Europa Press fuentes oficiales.

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Disco de Amélia Muge, indispensable para los amantes de la música en general y de los lusófilos en particular Helen Trego Media Lab
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eu fun negro tuda minha vida e agora vai-te embora Helen Trego Media Lab
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um bico e amigos de peito mortos de idosos Helen Trego Media Lab
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Dos lagos, Managua y Nicaragua de la série de sellos auténticamente falsos de Helen Trego Media Lab y noticia de un encuentro de poetas:Más de 200 poetas se reúnen en el primer Festival Internacional de Poesía de Nicaragua.

El Festival poético se realizará del 2 al 6 de febrero en la ciudad colonial de Granada, a orillas del lago de Nicaragua. Las múltiples actividades incluyen homenajes a Ernesto Cardenal y a Joaquín Pasos, recitales, conferencias y una marcha fúnebre, simbolizando "el entierro de la ignorancia y la incultura".

Publica El Tiempo/AFP en su edición del 1/2/2005

Una maratón de recitales poéticos simultáneos tendrá como escenario los atrios de las antiquísimas iglesias de San Francisco y La Merced, la costa del lago de Nicaragua y sus isletas y la Plaza de la Independencia, entre otros lugares de gran atracción turística de Granada, dijo Maricruz Carrasco, una de las organizadoras del encuentro, a la AFP.

El evento -inédito en el país- reunirá a poetas como Ernesto Cardenal, Gioconda Belli y Sergio Ramírez (Nicaragua); Ana Istarú (Costa Rica), José Quijada Urías (El Salvador), Carmen Alemani (Cuba) y Álvaro Mutis (Colombia).

También estarán Luis Ambroggio (E.U.), Lina Zerón (México), María Arrocha (Panamá), Fernando Valverde (España) y William Lemus (Guatemala).

Las distintas actividades son gratuitas y comenzarán desde las primeras horas del día hasta la medianoche, señaló Carrasco.

El festival es en homenaje al poeta nicaragüense Joaquín Pasos (1914-1947) y en saludo a los 80 años del poeta y sacerdote Ernesto Cardenal, celebrados el 20 de enero.

También busca resaltar el prestigio poético de Nicaragua, herencia de Rubén Darío, y potenciar a la ciudad de Granada como destino turístico y cultural de América.

La jornada cultural, que se pretende celebrar cada año en Granada, empezará el miércoles con una marcha fúnebre -simbolizando "el entierro de la ignorancia y la incultura"- que será acompañada por músicos filarmónicos y comparsas.

El jueves será la inauguración oficial del festival, con presencia del presidente Enrique Bolaños y el alcalde de Granada, Álvaro Chamorro.

También se inaugurará el ‘Parque de la Poesía’, con esculturas de reconocidos poetas granadinos como Joaquín Pasos, José Coronel Urtecho, Pablo Antonio Cuadra y Ernesto Cardenal.

Entre las actividades del festival habrá actos culturales y conciertos musicales con artistas locales como Norma Elena Gadea, Carlos Mejía Godoy y la Camerata Bach.

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lunes, febrero 07, 2005


aguas de marzo el barrio chino púrpura ha leido en la prensa y repite a la espera de nuevas:Entrevista al escritor Robert Coover: "Nuestra vida es hipertextual".

Es uno de los máximos exponentes de la nueva narrativa experimental norteamericana. Actualmente dirige el programa "Cave writing", -algo así como "Cueva de escritura"- de la universidad de Brown. Aquí habla de las características de su trabajo y del impacto de la era digital en los hábitos de lectura.

Publica Revista Ñ en su edición del 30/1/2005

Por Matilde Sánchez

La sigla que inicia cada una de nuestras búsquedas en Internet, http, significa "protocolo de transferencia de hipertexto". El escritor Robert Coover, uno de los más respetados desde hace décadas en los EE.UU. pero -es raro- poco conocido en la Argentina, participó activamente del pool de innovadores e ideólogos de la red cuando ésta era apenas una abstracción en la cabeza de unos pocos pioneros. No es que haya "inventado" el hipertexto -el término fue acuñado por Ted Nelson para describir una escritura no secuencial que sólo hizo posible la computadora-, pero fue de los primeros en escribir sobre este tipo de espacio cuyo contenido se ramifica en ventanas, por contraste con la organización lineal que obedece al renglón, el párrafo, la página.

Durante años llevó adelante el laboratorio de escritura creativa de la universidad de Brown, donde lanzó el "Hypertext Hotel", un espacio electrónico de creación colectiva que inspiró numerosos salones una vez que Internet se extendió a los usuarios individuales.

Coover es, sobre todo, un narrador a quien le tienta explorar. De su obra se han traducido “Azotando a la doncella”, “Zarzarrosa” y “La fiesta de Gerald”, una novela muy hitchckoquiana, y los cuentos de “El hurgón mágico” y “Sesión de cine”. Podría decirse que le interesa sobremanera la cultura popular, sólo que siempre le encuentra la grieta, la falla, y por allí se cuela para narrar lo que escamotean sus costuras. En “Sesión de cine”, sin ir más lejos, el relato recrea el encuentro íntimo entre ILSA y Rick Blaine, la melancólica pareja de Casablanca. Coover rueda el encuentro erótico (¿eludido por el "buen gusto", los velos del romance rosa o la inercia macarthista?). El sexo en Casabanca es dinamita; la película de Coover acaba igual de triste.

Actualmente dirige en Brown un programa experimental de Cave writing, algo así como "Cueva de escritura": una habitación cerrada cubierta de pantallas donde se recrea una realidad virtual y los estudiantes pueden mover cosas de un lugar a otro y alterar el paisaje. "Queremos ver qué puede aportar la literatura a ese ámbito", dice. Casado con una española, reparte sus días entre Londres, la apacible Providence, en Rhode Island, y Barcelona, donde contestó estas preguntas.

-En un conocido artículo, "El fin de los libros", publicado en The New York Times en el 92, usted hablaba de la "aurora" de un nuevo tipo de ficción. Internet no ha dado por ahora una buena novela pero, en cambio, dio un vuelco a nuestros modos de leer. ¿Cómo ve hoy la lectura respecto de aquel artículo?

-Uno de los grandes cambios es que la generación joven es cada vez más de lectores online. Hoy una enorme masa de lectura se realiza en red. No hay más que mirar el uso del buscador Google. Pensemos que durante siglos la búsqueda de referencias sólo se hizo en bibliotecas; ahora se hace en casa en una pantalla. Eso quiere decir que un tipo de lectura cotidiana y muy habitual está dejando de existir aceleradamente, como la consulta de enciclopedias. Cada familia tenía una en el living de casa, las familias rivalizaban en la compra de la más adecuada... Hoy ya no coleccionamos enciclopedias.

-Algunos autores observan que la nueva forma de leer es más afín al zapping. Decía Gilles Deleuze que el cine aumentó nuestras sinapsis cerebrales: ¿dónde comenzó realmente la revolución, con el cine, la tv o la red?

-El cine es la tecnología emblemática del siglo XX; todavía tenemos cine pero éste presupone un espectador ya clásico. La TV fue un invento afín a Internet, y ahora tenemos Internet en pleno, donde también se puede ver televisión, escuchar música, ver cine. Hemos inventado un medio de intercambio de información complejísimo, que incluye a todos los demás y, en el proceso, los transforma. Personalmente, creo que la revolución digital sólo es comparable a la que produjo la imprenta de Gutenberg. De hecho, el cine y la TV no han sido sino preparaciones del terreno para el mundo digital.

-¿Pero qué efecto ha tenido la lectura de hipertexto en la literatura? Hoy día se leen cuatro libros a la vez, se los tiene apilados en la mesa de luz. Se publican cientos de libros pero no para ser leídos, sino para ser regalados.

-Sí, eso es porque nos acostumbramos a leer hipertextualmente, tal como hojeamos en el Google. No leemos una entrada completa sino que tenemos varias pantallas abiertas y saltamos de una a otra. Si usted quiere, es el mismo tipo de lectura que está germinalmente en la tapa de un diario en papel, con cinco o seis artículos en un mismo plano, pero aún más compleja en Internet, dado que cada noticia puede tener su link. Sin embargo, lo que hoy asoma es una nostalgia de la vieja experiencia de inmersión en la lectura lineal. Nuestra vida entera es hipertextual e hiperactiva. Cuando uno se pasó el día saltando de una pantalla a otra, y eso es algo que experimenta una gran cantidad de profesionales en las ciudades, ya no tiene deseos de andar recorriendo todo el paisaje, lo alivia sentarse a leer, ir de principio a fin por una única pista. En Londres veo cada vez más gente leyendo libros en el subte. El libro está pasando a ser un equivalente del ocio, de estar fuera de la oficina.

-¿Hubo ciertos autores u obras que se adelantaron a este tipo de lectura?

-Antes de la llegada de las computadoras, yo solía hacer juegos de narrativa con tarjetas perforadas. Y ese juego de combinatoria me fue sugerido, claro, por Rayuela. Pero hay otros antecedentes, por ejemplo el “Tristam Shandy” de Lawrence Sterne, que te lleva por varios caminos al mismo tiempo. Joyce también puede ser considerado un precursor. En muchas de sus frases hay enterrados otros sentidos que tienen una lectura hipertextual con zonas más avanzadas de la novela. Quizás la manera correcta de leer el “Ulises” es con varios ejemplares abiertos sobre una mesa, a fin de ir saltando de capítulos sin necesidad de pasar las hojas, una experiencia semejante al hipertexto.

La primera idea de hipertexto completo para mí fue la lectura del Diccionario Jázaro de Milorad Pavic, con todos esos simbolitos que te envían a otras zonas del libro. Y aunque pueda sonar un poco forzado, también quiero mencionar el Quijote. De hecho, crea una metanovela dentro de la novela y rompe con el relato lineal. Hay capítulos que se interrumpen de manera abrupta y nunca son retomados. Es decir, lo que investigamos hoy tiene raíces más profundas en la historia de la literatura; nuestra civilización no es tan distinta, a fin de cuentas. Cuando uno mira los manuscritos medievales y ve las increíbles iluminaciones en los márgenes, las notas adicionales, eso constituye un tipo arcaico de hipertextualidad. De hecho, cuando imaginábamos el hipertexto, antes de la llegada de Internet, y había que explicar de manera material la idea de un link, solíamos mostrar una página del Talmud, donde hay un texto secundario en el margen y varias fuentes por las que se ramifica. No era un argumento artificial, sino una herramienta necesaria.

-Un cuento como "El jardín de senderos que se bifurcan", de Borges, está también en el centro de la hipertextualidad. Incluso existe un proyecto de lectura interactiva en la red, "Forking paths", que lo organiza en términos hipertextuales.

-Sí, originalmente hubo ese famoso intento de Steward Moulthorp
-El salón literario que usted dirigía, el "Hypertext Hotel" (HH), quedó como una especie de fósil en la red. Hace años no tiene modificaciones.

-El Hotel creció y se desarrolló mediante un software especial. Con la creación de Internet, simplemente lo subimos en htlm pero ya no pudo ampliarse con los lectores. En 1996 fue la última vez en que le agregamos material; en esa época la red estalló con posibilidades y el Hotel perdió parte de su encanto al ofrecer sólo hipertexto cerrado. Los estudiantes hoy arman cada uno sus páginas, algunas de ellas, sin duda, de gran interés y belleza. De hecho, la mayor parte de lo que vemos hoy en la red no es interactivo.

-Cuando lo oigo con semejante entusiasmo, no puedo dejar de recordar que para algunos autores la ciencia y la tecnología han tomado el lugar de la religión en el primer mundo, en tanto recurso para la salvación.

-No creo que la ciencia y la tecnología hayan reemplazado a la religión en términos de entusiasmo; pero sí constato que la religión ha dejado de ser algo interesante o productivo para quienes piensan más activamente en nuestras sociedades. En verdad, es más productivo para los que no piensan mucho o para aquellos que tienen una percepción extraña del universo... Y es por ellos justamente que tenemos tantos problemas políticos hoy. Entonces, no creo que haya habido un desplazamiento sino que abandonamos las metodologías que antaño nos proponía la religión. Como ve, no tengo ningún aprecio por la religión.

-Ni por el Estado, ni por el patriotismo. Su narrativa los combate de manera explícita.

-Es verdad, no tengo ningún aprecio por cualquiera de los mecanismos que convierten el relato de nuestras vidas en relatos mayores; eso incluiría a la ciencia y la tecnología. Para mí la tecnología y la ciencia no son más que la acumulación de conocimientos sobre nuestro mundo, y eso es lo que causa el eclipse de la religión. La tecnología es el desenlace natural del hombre a través del tiempo pero no un sistema de creencias.

-Uno de esos relatos mayores que usted aborrece es el deporte, ¿no? Lo es en la Argentina, una especie de invernadero de celebración nacional mientras el Estado se desvanece. Usted escribió un ensayo famoso, "El fútbol como sacramento existencial".

-Lo que tiendo es a mirar historias y comportamientos que reflejan mitos mayores. Por mito me refiero a presupuestos fundamentales que subyacen a nuestro comportamiento. El deporte, claro, es un ritual colectivo que alimenta perspectivas públicas. Una sociedad que sigue las alternativas del cricket no tiene nada que ver con una que sigue el fútbol..., no necesariamente mejor pero sí distinta. No tengo un enfoque negativo de todas estas prácticas, de hecho, el fútbol lo disfruto mucho. A veces cuando me meto en una historia que a priori me resultaba objetable, me entero de que me gusta más de lo que pensaba.

-¿Se metió en el mundo de su última novela, "The adventures of Lucky Pierre"? (Cuenta los avatares de un actor porno, esclavizado en "Cinecity" por nueve musas-directoras. Está dedicado a Buster Keaton, Luis Buñuel y Jean-Luc Godard.)

-En verdad, Lucky Pierre empezó a fines de los 60. Eran los años de Vietnam, yo andaba muy sombrío, deprimido por la marcha del mundo, y estaba escribiendo una historia titulada "Un hombre que caminaba un invierno". Y lo imaginé bajándose el cierre del pantalón, sin saber qué cosas podía desencadenar este hecho. Y resulta que coincidió con el primer festival porno de Amsterdam, el famoso Wet Dreams Festival, de manera que viajé ahí y me saturé bien de pornografía. Luego escribí un ensayito titulado The High Church of Hardcore, era una crítica severa de la industria. Aunque era menos una industria que un movimiento en ese entonces similar a lo que en EE.UU. representaba el consumo de alcohol, algo clandestino, iniciático. Abandoné a Lucky Pierre y me metí en The public burning. Pero al cabo de los años, cada vez que viajaba llevaba el borrador. Finalmente se convirtió en esta novela.


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brogo NEL&PULGU
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Aunque la presentación ya tuvo lugar el pasado cinco de febrero, el libro está recién salido de la prensa, así que desde PopNox invitamos al universo lector a que se adentre en su interior.
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domingo, febrero 06, 2005


madriz 12 NEL&PULGU
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bersburu o el deseo mueve montañas NEL&PULGU
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autorretrato asturianista NEL&PULGU
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NOTA DE PRENSA DE LA FUNDACIÓN PERRUNO-SITUACIONISTA "LASZLO KOVACS":
EL PRÓXIMO SÁBADO DIA 12 DE FEBRERO, A LAS 8 DE LA TARDE, EN EL CENTRO DE ARTE MODERNO(C/GOBERNADOR, 25)DE MADRID, LA FUNDACION PERRUNO-SITUACIONISTA 2LASZLO KOVACS"( PULGU & NEL AMARO) PRESENTARÁN TRES ACCIONES TITULADAS "ASTURIAS PARIA ERIDA","PULGU REPUBLICANO (FOTOMATON)" Y "MIRANDO AL MAR (TONADA)", DENTRO DE LA CONVOCATORIA HECHA POR ESTA SALA DE ARTE MADRILEÑA BAJO EL TITULO DE "PERFORMAS EN EL CENTRO" Y EN LA QUE PARTICIPARÁN ARTISTAS ESPAÑOLES, ITALIANOS, MEXICANOS, CHILENOS, GRIEGOS Y ARGENTINOS
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sábado, febrero 05, 2005


mao pela janela fora Helen Trego Media Lab
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el poder de la conciencia
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52 NEL&PULGU
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51 NEL&PULGU
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pulgu, perro situacionista NEL&PULGU
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autorretrato de mail artista franqueado NEL&PULGU
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acción "presencia/ausencia",Punta Umbría, Huelva, 1 de mayo de 1.997-11 de mayo de 2.002

NEL&PULGU
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eu só penso nela Helen Trego Media Lab
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A modo de homenaje a Jean-Michel Basquiat (1960 - 1988 ), pintor estadounidense .
Nació en Brooklyn , Nueva York , el 22 de diciembre de 1960 , hijo de padre proveniente de Haití y madre de origen puertorriqueño . Su padre, Gerard Basquiat, era un contador de respetable solvencia económica, y su madre, Matilde, era una diseñadora gráfica de estimado prestigio profesional. Creció en un entorno familiar desgarrado, sus padres se divorciaron y por esta situación tuvo que cambiar muchas veces de escuela. Estudió en una escuela católica privada, luego en una pública y a los 16 ingresó en la City-As-School, un centro para adolescentes dotados del que lo expulsan por rebeldía un año antes de graduarse.
Ya en su juventud entró en contacto con la subcultura de la gran ciudad, y entre drogas y bandas callejeras que conseguían dinero de mala manera, junto con Al Díaz , en 1977 , empezó en el mundo del graffiti, pintando en los vagones del metro y por las zonas del SoHo, barrio neoyorquino donde proliferan las galerías de arte.
Al año siguiente dejó la escuela un curso antes de graduarse en el bachillerato (high school) y abandonó su casa para, durante dos años vivir en las calles, en edificios abandonados o con sus amigos en el bajo Manhatan . Empezó entonces a sobrevivir vendiendo postales y camisetas que él mismo dibujaba. Seguía dedicándose al graffiti, sus pintadas y escritos tenían mucha carga poética, filosófica, pero sobre todo satírica. El pseudónimo de su alter ego compartido con Al Díaz (SAMO: siglas de same old shit, la misma vieja mierda) con el que firmaban cuando pintaban sus tags y graffitis, con crípticos mensajes fue decisivo en su vida.
Estos murales llevaban inscripciones como “SAMO salva idiotas” o “SAMO pone fin al lavado de cerebro religioso, la política de la nada y la falsa filosofía”. Un artículo sobre la escritura callejera de SAMO publicado en “The Village Voice” fue el primer indicio de que el mundo del arte se interesaba por él.
El Grafffiti.
Desde finales de los años sesenta, grupos de jóvenes de los barrios marginales de Brooklyn y del Bronx empezaron a cubrir las paredes de los espacios públicos (tapias, vallas publicitarias, andenes, túneles y vagones del ferrocarril metropolitano) de garabatos y pintadas. Los más próximos a la love generation se valían de esos espacios públicos para dar rienda suelta a su desencanto, a sus protestas, a sus desacuerdos con las estructuras sociales, políticas y económicas de un sistema que les era absolutamente adverso. Otros, huyendo de sus guetos, dejaban sus huellas o sus maracas anónimas en los muros urbanos con actitudes despolitizadas e indiferentes al establishment y con la única voluntad de afirmar su identidad y dar testimonio de su existencia en el seno de un sistema que los tenía apartados.
En 1979 escribió en los muros del Soho: SAMO is dead. Colgó el graffiti y fundó el Gray, un grupo musical en el que tocaba el clarinete y el sintetizador y con el que frecuentaba “pubs” como CBGB y el Mudd Club, lugares de moda donde se reunían otros artistas, pero pronto abandono su incipiente carrera musical. En el East Village, músicos y artistas elaboraron su propia subcultura (hip hop), compartieron su afición por la música rock, por el break y el rap y llevaron a cabo performances, filmes underground y graffitis. Pero fue a partir de 1980, cuando aún vivía como un “homeless”, cuando se dedicó principalmente a la pintura. A diferencia de la mayor parte de los graffitistas, J.M. Basquiat poseía una cierta curiosidad intelectual y sentía una verdadera fascinación por el expresionismo abstracto, por los trazos gestuales de Kline, por los primeros trabajos de Pollock, por las pinturas con figuras de De Kooning y por las caligrafías de Cy Twombly, todo lo cual, junto a sus raíces haitianas y puertorriqueñas, le llevó a tener un gran dominio del grafismo expresivamente gestual. Interesado también por las combine paintings de Robert Rauschenberg y por el Art Brut de Jean Dubuffet, así como por la cultura popular, sus graffitis adquieieron una cualidad plástica y expresiva cada vez más próxima a la de la reciente pintura norteamericana, hasta el punto que, unos años más tarde, Jeffrey Deitch definió su trabajo como una “chocante combinación del arte de De Kooning y de los garabatos pintados con spray en el metro neoyorquino”. Desde pequeño había recibido una apreciable educación artística informal; su madre lo llevó a visitar museos (fue miembro júnior del Museo de Brooklyn a los seis años), también lo inicio en la lectura de literatura poética y más tarde lo impulso a escribir la propia. El nombre de su grupo se convirtió en un capítulo más del mito cuando Basquiat afirmó que estaba inspirado en el autor de un libro sobre anatomía que había acompañado su convalecencia tras ser atropellado, a los seis años, por un automóvil. El propio Basquiat repetiría varias veces que ese libro fue un referente precoz de su trabajo. Completó su formación autodidacta como oyente en la Escuela de Artes Visuales, donde contactó con el pintor y autor de graffiti Keith Haring.
Su intensa carrera artística: Su primera participación en una exposición artística fue en 1980 en el Times Square Show, una especie de galería de moda y arte alternativo presentada en un almacén abandonado del Bronx. En cierta manera, fue la primera vez que la expresión del arte del graffiti dejo de ser exclusivamente una manifestación marginal, ya que una serie de artistas desvinculados en principio del sistema mainstream, es decir comisario/museo/crítico, exhibieron sus obras en la exposición. Estuvo organizada por el colectivo “Colab” (Collaborative Projects Inc.) y en ella los diferentes artistas profesionales y graffitistas fueron presentados de forma anónima e indiscriminada, todos mezclados (no había nombres de autores ni rótulos con los títulos de las obras). Basquiat expuso un mural donde reunía algunos graffitis de SAMO. Y, a pesar de las malas críticas que calificaron la exposición como algo en estado bruto, irreverente, rebelde, ejemplo de mal gusto y carente de cualquier atisbo de artisticidad, a partir de entonces los artistas del graffiti fueron objeto de un progresivo reconocimiento e integración en el sistema del arte. Algunas galerías del Soho, como el White Columns y Fashion Moda cedieron sus espacios para que los graffitistas colgaran eventualmente sus obras.
En 1981, Basquiat expone sus obras en la P.S.1 del Institute for Art and Urban Resources de Nueva York en una exhibición con el nombe: “New York/New Wave” (“Nueva York/Nueva Ola”). Se intenta decretar que esta muestra esta formada por un conjunto estelar del emergente jet-set artístico. El artista estelar era el fotógrafo Robert Mapplethorpe, y como en cada una de sus apariciones públicas la exposición ha sido elaborada como una minuciosa puesta en escena y da sus resultados. Esto repercute favorablemente en Basquiat ya que junto a las fotografías se mostraron las pinturas fuertes, de gestos ásperos y de colorismo tan simple como contundente del joven pintor. Acude a la exposición saturado de cocaína, incomodando con su presencia a los concurrentes. Es aquí donde conoce a Andy Warhol, con quien empezaría una amistad, y una colaboración profesional. En diciembre de 1981 aparece el primer artículo importante “The Radian Child” de Rene Ricard en Artforum (nº 24, pp. 24-43) considerada la revista de arte más importante de la época. Ese mismo año (1981) se exponen sus graffitis en la Documenta de Kassel. Su pasión por la música era tal que en la época más intensa de su carrera, en medio de exhibiciones importantes como la de Transvanguardia Italia/América y la Dokumenta de Kassel, comenzó a producir música rap y DJ en los clubes de Manhattan. Sus músicos favoritos: Miles Davis, Charlie Parker, Dizzie Gillespie, Billi Holliday, entre otros, aparecen en los cuadros de entonces. En 1982 se inicia para Basquiat un verdadero camino hacia el éxito: se multiplican sus exposiciones individuales y colectivas. En 1982 es incluido en la exposición Transvanguardia: Italia/América con artistas neo-expresionistas de la talla de S. Chia, F. Clemente, E. Cucchi, D. Deutsch, D. Salle, y J. Schnabel. 1982, participa en la exposición organizada por Diego Cortez, presentada en la Galería Marlborough de Nueva York, titulada The Pressure to Paint, junto con otros artistas como; G. Baselitz, S. Chia, F. Clemente, E. Cucchi, M. Disler, R. Fetting, K. Haring, J. Schnabel, entre otros. Y al año siguiente (1983) participa en la Bienal del Whitney Museum of American Art de Nueva York junto a los emergentes representantes del arte apropiacionista, los nuevos expresionistas, y otros graffitistas como K. Haring. Este mismo año (1983) la exposición Post-Graffiti, preparada por el prestigioso galerista Sidney Janis, y presentada en la galería que lleva su nombre, la Sidney Janis Gallery, confrontó el trabajo de aquellos artistas que ya se habían integrado plenamente en el sistema con el de los “artistas de gueto”, por supuesto Jean-Michel Basquiat apareció junto a los primeros como principal destacado entre otros como Haring o Scharf. En 1983 exposiciones individuales en galerías de prestigio de Nueva York como “Gagosian” y “Annina Nosei” En 1984, el Museum of Modern Art de la misma ciudad (Nueva York), que en principio se había mostrado reacio al neoexpresionismo presentó la importante exposición An International Survey of Recent Painting and Sculpture, donde, junto a una selección de ciento setenta artistas Basquiat también participó. En 1984 Warhol le presentó al galerista suizo Bruno Bischofberger, quien dio a conocer su obra en Europa y con quien colaboró estrechamente hasta su muerte. Desde ese año 1984 los amigos de Basquiat empiezan a preocuparse sobre sus excesivos usos de drogas. A menudo lo encontraban casi en coma y muy paranoico con ideas de persecución. La paranoia de Basquiat, con todo, tenía motivos por las amenazas muy reales de gente que le robaba cuadros de su estudio o de galeristas que se llevaban obras sin terminar para exhibirlas o venderlas.
En esta época Basquiat, entre otros pocos, llego a ocupar las páginas de papel couché, de las revistas de información general y de moda como Time, Newsweek, Vanity Fair y Vogue no por su pintura, sino por su vida de “alta sociedad”, por su presencia en fiestas y en clubes de moda, como el neoyorquino Palladium. Se codea con Madonna y demás estrellas del espectáculo y la música. El 10 de febrero de 1985 Basquiat aparece en la portada de la revista dominical New York Times, convirtiéndose en el primer artista plástico negro que aparece en primera plana. Es curioso pues en esa época el estereotipo racista blanco es que los negros son buenos deportistas, bailarines o músicos, pero no en otros campos incluyendo las artes plásticas. El articulo que acompaña la foto, redactado por Cathleen McGuigan, se titula “New Art, New Money: The Marketing of American Artist” (Nuevo Arte, Nuevo Dinero: El Marketing de un Artista Americano). En marzo de ese año, 1984, nueva exposición individual en la galería Mary Boone, otra de las más importantes del momento. Robert Farris Thomson, en el catálogo de esa exposición defiende el arte de Basquiat como dentro de una “tradición Afro-Atlántica” y en ese contexto queda catalogada. En 1985 colabora con Francesco Clemente y Andy Warhol, aunque las obras producidas no despiertan una respuesta positiva en la crítica. De esta colaboración el resultado son varios lienzos de gran tamaño con sugerentes combinaciones de color, “collages” que aúnan pintura, la serigrafía, el graffiti y el lenguaje publicitario. Entre 1984 y 1885 los lienzos viajaron de un estudio a otro; normalmente los empezaba Warhol, Clemente los perfeccionaba y Basquiat los remataba. Sin embargo, Warhol y Basquiat se entendieron particularmente bien. Warhol dejó escrito en su diario: “Jean Michel Basquiat ha conseguido que pinte de una forma muy diferente, y eso esta muy bien”. La idea de pintar juntos fue considerada enriquecedora para ambos porque Warhol, que en aquel momento sólo empleaba técnicas como la serigrafía, volvió a coger el pincel, y Basquiat comenzó a conocer las técnicas mecánicas aplicadas a la pintura. El “establishment cultural negro” critica el patronazgo de Warhol a un artista negro.
En 1986 viaja a África y expone en Abidján (Costa de Marfil). En noviembre de ese mismo año 1986, gran exposición (más de 80 obras) en el museo Kestner-Gesellschaft de Hannover, convirtiéndose con 25 años en el artista más joven que exhibe en ese museo. En 1988 se instalan exposiciones en Paris y Nueva York, y en abril de ese mismo año, trata de abandonar su drogadicción y se va a su casa en Hawai. Vuelve a Nueva York en junio anunciando que se ha liberado de la droga, pero el 12 de agosto de 1988, muere por sobredosis de heroína con 27 años siendo el artista visual negro más exitoso financieramente en la historia del arte afro-americano.
A lo largo de su breve, pero intensa carrera artística realizaría más de 40 exposiciones personales y participaría en alrededor de 100 colectivas.
La autopromoción y el reclamo publicitario fueron para Basquiat factores prioritarios, como con anterioridad lo habían sido para Andy Warhol o Julian Schnabel El neoexpresionismo se fue imponiendo al apropiacionismo, en parte gracias a la pujanza económica que elevó a altas cotas el precio del arte y, especialmente, de la pintura, y en parte gracias al apoyo de galeristas y coleccionistas. La crítica, sin embargo, no fue unánime en su valoración, siendo habitual la denuncia de la falta de base teórica del discurso neoexpresionista. Se afirmó que el arte que practicaban los neoexpresionistas carecía de cualquier significado político o social, era sólo mercancía y, por tanto, objeto de los vaivenes y fluctuaciones del mercado. La pintura neoexpresionista quedaba reducida a un producto de consumo y, como tal, a un hecho creativamente descalificado y vulgar.
Tres etapas. En la corta, pero intensa, actividad pictórica de J. M. Basquiat se pueden distinguir tres etapas: de 1980 a 1982, época en la que los graffiti de signos se mezclan con visiones callejeras y formas simbólicas de tradiciones culturales primitivas, como máscaras, esqueletos y calaveras; de 1982 a 1985, con obras pobladas de palabras-conceptos, imágenes vudúes, totémicas y arcaizantes, retratos-homenajes a héroes negros- músicos de jazz, escritores, jugadores de baloncesto, boxeadores-, y referencias a la sociedad de consumo norteamericana; y de 1986 a 1988, período con cuadros cada vez más sofisticados en sus contenidos y en su compleja figuración pictórica, resuelta ésta con múltiples y fragmentarias citas de culturas primitivas o antiguas (africana, azteca, egipcia, grecorromana, etc.) pro también de la tradición pictórica europea. Como él mismo afirmó en más de una ocasión, el trabajo de J. M. Basquiat estuvo más cerca de la pintura, una pintura a mitad de camino entre la abstracción gestual y cálida y la figuración postpop, que del graffiti (“Mi trabajo no tiene nada que ver con los graffiti. Forma parte de la pintura. Yo siempre he pintado”). Su preocupación por transmitir en su pintura la problemática de doble pertenencia a minorías étnicas, la afroamericana y la latina, si bien es elemento recurrente de su narración pictórica, nunca se sometió a intencionalidades mensajísticas condicionadoras. El crítico británico Edward Lucie Smith sostiene: “El más celebrado artista negro de los ochenta, Jean-Michel Basquiat, utiliza con frecuencia la imaginería “negra”, pero al mismo tiempo, siempre, demuestra su ansiedad por someterla a claros acentos de universalidad”. También precisa que: “Su intención no era tanto construir una capillita más para la cultura afroamericana sino competir en igualdad de condiciones con su mentor Andy Warhol”. Por su parte, el teórico alemán Klaus Honnef, afirma: “Sea casualidad o no, si se pasan por alto las significativas alusiones a la existencia social de los negros en EEUU y la furia considerable de sus cuadros, se podría llegar a la conclusión de que las pinturas y los dibujos de Basquiat están enraizados en la estética francesa, y no en los graffiti de Nueva York”.
Tal como sostiene Irving Sandler, Basquiat, que desde 1980 hasta su muerte, alcanzó un éxito y notoriedad nada comunes, al igual que unos años antes había hecho su “padrino” Andy Warhol, se convirtió en prototipo del genio romántico, atractivo, rebelde, hip y salvaje y a la vez, en el profesional ansioso de celebridad y dinero, en la última de las estrellas del universo rutilante de A. Warhol.
La leyenda del niño salvaje, tras su muerte será tocada y retocada hasta hacer casi imposible la distinción entre realidad y fabulación. Por ejemplo, el afán de ser el primero en descubrir, quizás inventar, al nuevo genio pictórico de la década, transforma a Diego Cortez en improvisado e inspirado promotor de la mítica historia de Jean-Michel Basquiat. Cortez alaba su primitivismo, la pureza casi arcaica, el vigor expresivo, y otros varios clichés del repertorio previsible cuando de artistas afroamericanos se trata, especialmente cuando de graffiti-art se trata. El manager, crítico de arte y poeta Rene Ricard le vaticina: “Haré de ti una estrella”. Y profetiza: “Nadie querrá ser parte de una generación que ignora otro Van Gogh”. El artista posee algunos rasgos, que ya hemos comentado, que constituyen una plataforma excelente a la hora de dejar despegar imaginaciones exhuberantes: Joven, pobre (por lo menos durante algunos años y por propia decisión), negro y de ascendencia latina, presuntamente vinculado al mundo de las gangs, con un pasado reciente de frenético y contestatario graffitero, proveniente de una innominada y patética zona de Brooklyn. El mercado levantará su nombre como contraposición orgullosamente anti-intelectual a Keith Haring, artista post-pop de raíces graffiteras, aunque con una sólida formación artística. Basquiat solo atravesó fugazmente algunas escuelas de arte. Conducta varias veces ponderada como virtud. Su temprana muerte marcará la definitiva consagración del mito.
De alguna manera Basquiat decidió la brevedad de su vida. “Yo se que algún día voy a dar vuelta a la esquina y voy a estar preparado para eso”, dijo alguna de las pocas veces que habló sobre sí mismo, sobre su existencia. “Eso” era una muerte buscada desde la adolescencia que de alguna manera nunca abandonó, a través de un carácter obsesivamente autodestructivo. “Nunca se demasiado bien si estoy vivo. De todos modos no me preocupa demasiado, creo que soy inmortal” dijo a una de sus parejas, Jennifer Goode. La idea de su inmortalidad aparecía como pretexto cada vez que un Warhol paternal le recriminaba el abuso de las drogas: “No te preocupes, soy inmortal”.
El artista chicano Benny Dalmau y el transvanguardista italiano Francesco Clemente, coinciden en afirmar que sólo cuando pintaba parecía animado por una vitalidad tan incontenible como inesperada.
Annina Nossei, uno de sus primeros marchantes explotó vergonzosamente uno de los trances donde la creatividad de Basquiat estallaba pródiga y desenfrenada. Roberto Hughes, célebre crítico norteamericano, en una reseña no muy amable aparecida a la muerte de Basquiat recuerda: “Le tuvo encerrado en el sótano de su galería pintando cuadros (ahora calificados como “primeros Basquiat”, para distinguirlos de los menos apreciados “últimos Basquiat”, pintados tres años más tarde) que ella vendía antes de que estuvieran secos y, algunas veces antes de que estuvieran acabados”. Hughes sostiene que Basquiat nunca tuvo demasiada suerte con sus marchantes: “Su introductor social fue Henry “Frebbie” Geldzhaler, que había fracasado antes como escritor, conservador de museo e historiador, pero que aun mantenía una considerable influencia como informador, al menos entre los nuevos coleccionistas”. A Nossei siguió Tony Shafrazi, quien antes de convertirse en galerista especializado en graffiti-art, había cometido un acto de vandalismo contra el sagrado Guernica de Picasso cuando este se encontraba expuesto en el Museum of Modern Art (MOMA). Más tarde manejará sus obras la implacable Mary Boone, toda una celebridad dentro del circuito artístico neoyorquino por su mano firme en el manejo de sus artistas. La leyenda seguía creciendo, ahora apuntalada por la vigilancia de un mercado que encontraba un excelente y fructífero producto. Ricard, otra vez, retoma una profecía de 1981 y proclama: “Hemos encontrado el niño radiante del siglo”. Se lo compara, tras la aceptación europea, con Rimbaud. Sus seguidores afirman que en sus obras brilla una sensibilidad intuitiva que seguramente hubiese cuajado en formidable talento, brillan los indicios primarios de un don tremendamente escaso: la genialidad. La fuerza, el lirismo, la melancolía, la violencia, la gracia lúdica, el desenfado cromático, las fusiones imprevisibles, están allí, como testimonios que siempre comunican la sensación de fermento inconcluso. También está la apropiación singularizada y sutil de Rauschenberg, de Jasper Johns. Sobre todo, la “salvajización” de los grafismos-textos utilizados por su admirado Cy Twonbly. Lo que en Twombly es levedad y refinamiento, en Basquiat se vuelve gestualidad exasperada, cartografías de una afectividad en perpetuo e inconforme desconcierto.
En 1996 la vida de Jean-Michel Basquiat fue llevada a la gran pantalla después de 6 años de rodaje, de la mano de su amigo y colega Julian Schnabel. El cantante David Bowie interpretó el personaje de Andy Warhol


Obras:
Vino de Babilonia, 1984 Óleo, acrílico y crayón de óleo sobre tela. Arroz con pollo, 1981. Acrílico y crayón de óleo sobre tela Tierra, 1984. Acrílico sobre tela Beneficio I, 1982. Acrílico sobre tela Sienna, 1984. Acrílico, crayón de óleo y serigrafía sobre tela Cenizas, 1981. Acrílico, crayón de óleo y pintura en aerosol sobre madera Santo 1982. Acrílico y óleo sobre tela Africanos de Hollywood, 1983 Acrílico y crayón de óleo sobre tela Mecca, 1982. Acrílico y crayón de óleo Brazo y martillo, 1985 (elaborado en conjunto con Andy Warho) Acrílico sobre tela En la cifra, 1982 Acrílico, óleo, crayón de óleo, marcador y collage sobre tela Los colonos holandeses (parte I), 1982. Acrílico sobre tela Los colonos holandeses (parte II), 1982. Acrílico sobre tela Los colonos holandeses (parte III), 1982. Acrílico sobre tela Ángel caído, 1981 Acrílico y crayón de óleo sobre tela Alquitrán y plumas, 1982 Acrílico, crayón de óleo, pintura en aerosol, alquitrán y plumas sobre masonite Moisés joven, 1983 Acrílico y crayón de óleo sobre tela Ahora es el tiempo,1985 Acrílico sobre madera Tabaco, 1984. Acrílico y crayón de óleo sobre tela Pescando, 1981. Acrílico y crayón sobre tela PZ, 1984. Acrílico y collage sobre tela Ahora es el momento, 1985. Acrílico y crayón de óleo sobre tela Cabezas empolvadas, 1982 Acrílico y crayón de óleo sobre tela Autorretrato como un talón, parte II, 1982 Acrílico y crayón de óleo sobre tela Autoretrato, 1982. Acrílico, crayón de óleo y pintura en aerosol sobre tela Cráneo, 1981Acrílico y crayón de óleo sobre tela Hombre rojo, 1981. Acrílico, pastel y pintura en spray sobre tela Ese año (1981) pintó “Dangerous Watters” (aguas peligrosas)


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autorretrato de gala NEL&PULGU
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Haile Mariam Selasie. Negus de Etiopía. Helen Trego Media Lab
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autorretrato enmascarado de pulgu NEL&PULGU
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autorretrato goloso NEL&PULGU
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DESNUDO EN EL PARAÍSO



A veces, en sus sueños, el ser humano se encuentra en el séptimo cielo, libre de cadenas que opriman su pensamiento. Genio fabuloso quintaesencia de la nobleza y abanderado de la razón.
Otras, Morfeo juega malas pasadas y el pobre incauto que las sufre, se adivina Desnudo en el paraíso, como un hippie de los setenta, perdido en la noche de los tiempos, buscando la verdad universal, en su Nirvana más ansiado, cabalgando a lomo de las baladas de B. Dylan, al ritmo de los punteos de Hendryx, de otro trovador charnego o rapsoda políticamente correcto. Estimulándose o laxándose con la realidad de su entorno, sustituto natural del canalla ácido lisérgico o del vegetante Prozac. Impregnadas las yagas de sus sentidos en la fragancia amarga de la zaherida tierra que le vio nacer, crecer y morir viviendo; maltratadas mil y una veces por el látigo cruel y cobarde, de un destino fraudulento incapaz de dar más que raspas de miseria, en sopa o en rodajas, acompañadas del pan de la nostalgia, a disgusto del consumidor. Tras discurrir varias conciencias luz desde que las sangrías de jóvenes y no tan jóvenes, sin futuro, pero valientes, comenzaran a desterrarse de sus hogares, buscando el sustento diario en otros horizontes de esperanza. Mientras, los cambios estructurales, necesarios para acabar con un modelo obsoleto y portadores de abono para que el desarrollo sostenible germine, no llegan nunca o se desconocen. Y así, no se barrunta una solución eficiente y duradera.
No busco el bálsamo de Fierabrás o la panacea de la abundancia. Abogo por un compromiso social capaz de dinamizar la Asturias natural, paraíso de contingencias varias y museo del olvido... Aquí, no en Sildavia, es donde la catarsis debe surgir, cuál prodigio fabuloso. Pero desgraciadamente; “el efecto mariposa”, el caos reinante en este sistema global, donde puñetazos de desesperanza se estrellan sádicamente en nuestra jeta, no es promesa de mejora. La complejidad de las relaciones económicas internacionales, favorece a los aptos y competitivos, que hacen las cosas bien; no a los débiles y pusilánimes...¡Aviso a navegantes!. Ejercer de campeones de la dama, valedores de verdades absolutas, o de eruditos que disertan refinadamente sobre si los indios tienen o no plumas de colores en el pelo, nos puede hacer perder un tiempo precioso que los apaches aprovecharán para arrasar el fuerte y, huyendo de sus tomahauks blandidos al aire, quedaremos sin el pírrico taparrabos que cubre nuestras vergüenzas, con una mano alante y otra atrás, como catervas de inanimados seres sin alma, memoria ni futuro.

Para AGAIN desde El Entrego Heri Gutiérrez García

martes, febrero 01, 2005


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